El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин)

El 16 de enero de 1926, fue estrenada la película El acorazado Potemkin, leyenda del cinematógrafo soviético, realizada por el cineasta Serguei Eisenstein, sin decorado ni actores, con personas y acontecimientos reales.

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenósets Potyomkin, en ruso), es una película dirigida por el cineasta ruso Sergéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica

En 1925 se le encargó al director Eisenstein el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente[1] para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.

Los marineros del acorazado Potemkin ya están hartos de malos tratos, y cuando se les intenta obligar a comer carne con larvas de mosca, deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en la primera década de la Revolución rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film esta compuesto de cinco episodios:

Hombres y gusanos (Люди и черви) Drama en el Golfo Tendra (Драма на тендре) El muerto clama (Мёртвый взывает) La escalera de Odesa (Одесская лестница) Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por la oposición de éste con Iósif Stalin. La película fue prohibida en Alemania (durante el régimen nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película y está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.

El peregino

The Pilgrim (1923)

Un mediometraje bastante jocoso desde sus alternativas. Además tenemos que descontar la siempre carismática presencia histriónica de un Chaplin con todas las luces para los gestos y los ademanes. Las situaciones nos muestran la típica comedia de enredos y de situaciones, donde un presidiario (Chaplin) se escapa de la cárcel y se hace pasar por un sacerdote en un pueblo, lugar en el cual se sucederán muchas alternativas hilarantes que sin ser sobresalientes, al menos cumplen con dar forma a un producto efectista, dinámico y entretenido donde los embrollos están a la orden del día. Es una comedia pura, no hay espacio para lo dramático en este filme, Chaplin no se detiene a buscar un tema sensibilizador ni tampoco a criticar con sus típicas denuncias sociales, aunque la trama está por allí salpicada de cierto romanticismo como para que haya una perspectiva un tanto distinta a la simple oferta jocosa que se presenta de fondo. En fin, un filme hecho apresuradamente y sin tanta elucubración, aunque no por ello es menos cómico y contundente desde los gags, los cuales nos regalan las siempre simpáticas caracterizaciones de Charlot.

Es increíble…no inventa nada, más bien descubre.Hay que decir que es el primero en hacerlo:

1) La diferencia entre la frontera americana y mejicana

2) El convicto transformado en cura

3) El diezmo

4) El sermón de la historia de David y Goliat adaptada a la personalidad del infante, que saca del aburrimiento al niño obligado a ir al templo y produce espasmo en los adultos.

Es un error caracterizar centralmente a Charles Chaplin de cómico, aunque si lo es accesoriamente y para no resultar aburrido.Ese hombre esencialmente fue un gran observador social y puede ser que también en esta película a mi se me hayan pasado algunos detalles que hagan resaltar esa cualidad.

El peregrino es una de esas películas inolvidables de Chaplin, sin ser una de las mejores no te deja de hacer pasar un buen rato.Las películas de Chaplin tienen entre parodia y parodia una humanidad que tanto caracterizan sus películas.Lo que hay que decir de sus películas, comedias y críticas son películas que después de que ya han pasado casi los cien años sigue siendo un humor que sigue haciéndome reír a carcajadas, es un humor que no tiene ubicación temporal al igual que de los valores que trata, sus valores humanos que están por encima de cualquier época.El Peregrino es una película ligera de Chaplin, no critica tanto pero tiene una serie de momentos que no podrás parar de reírte, tales como el momento del gorro que parece ser un pastel o como el momento del sermón en la iglesia, son momentos genialmente divertidos, Chaplin era un genio pues pensemos, eran los principio de un arte por desarrollar, un arte que estaba comenzando y veamos que resultados obtuvo de ello el señor Chaplin.

El nacimiento de una Nación

The Birth Of A Nation (1915) El nacimiento de una nación es, debido a su técnica, una de las películas más famosas de la época del cine mudo y también una de las más polémicas por promover la supremacía de la raza blanca y describir el supuesto heroísmo de los miembros del Ku Klux Klan.

El film retrata las venturas y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados Unidos durante la Guerra de Secesión.

La interpretación que la película hace de la historia de los Estados Unidos es polémica. El historiador Steven Mintz de la Universidad de Houston, dice que el mensaje se resume así: la reconstrucción fue un desastre, los negros nunca pudieron ser integrados como iguales en la sociedad blanca y las acciones violentas del Ku Klux Klan se justifican porque ayudaron a restablecer un gobierno honesto.

Cuando el film se estrenó, hubo disturbios en Boston, Filadelfia y otras ciudades importantes. Chicago, Denver, Kansas City, Minneapolis, Pittsburgh y St. Louis cancelaron el estreno. El carácter incendiario de la película incitó a pandillas de blancos a atacar a la gente de raza negra. En Lafayette, Indiana, un hombre blanco, tras ver el film, asesinó a un adolescente negro.

La película es acusada de racismo, pues en el desenlace unas mujeres, secuestradas por un hombre de raza negra, eran salvadas in extremis por el Ku Klux Klan. Por ello al director le fue muy difícil encontrar actores y extras negros que se prestasen al rodaje, por lo que tuvo que caracterizar actores blancos con la piel maquillada en negro.

Se considera un hito de la historia del cine porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo. Es cierto que aún se pueden rastrear ocasionalmente huellas del cine primitivo que desaparecen en films posteriores. Si bien desde el punto de vista técnico la película es admirable, no se puede decir lo mismo desde el punto de vista moral, ya que los hombres de raza negra son tratados de modo despectivo, hasta el punto de que Griffith justifica la creación de Ku Klux Klan como un método de contener las tropelías que la población negra perpetraba en el sur de los EEUU.

Es famosa la escena del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine del que el más famoso es análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés -The French Lieutenant's Woman,1981- ). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.

Armas al hombro

Armas al hombro (Shoulder Arms)

El fotograma de una película que definiese a la Primera Guerra Muncial dicho fotograma sería el de Charlot en "Armas al hombro".Está considerada como la primera comedia bufa sobre la guerra y en cierto sentido es una paradoja que represente de forma tan realista a la Primera Guerra Mundial. Lo cierto es que "Armas al hombro" recoge en sus imágenes los arquetipos fundamentales de las películas bélicas, arquetipos que luego volveremos a encontrar en muchas cintas posteriores: La fase de adiestramiento en el campamento militar, la llegada al frente, la camaradería, el aburrimiento de las largas esperas, la crueldad del enemigo, la historia romántica... E incluso termina con un mensaje pacifista en el que se lee "paz a los hombres de buena voluntad"."Armas al hombro" fue realizada en 1918 y estrenada el 20 de octubre de dicho año. Eso quiere decir que cuando se filmó ya se conocían los horrores de la guerra de trincheras y que llegó a las pantallas antes de que el conflicto terminara. Lo que más sorprende de la película es el detallismo en la reconstrucción de la trinchera aliada (no así de la germana), teniendo en cuenta que todo es un decorado y que los exteriores están filmados entre eucaliptos californianos la cosa tiene bastante merito. Aunque hay un famoso error en el que se ve una autopista con coches al fondo en la secuencia en la que Charlot disfrazado de árbol es perseguido por el alemán gordo y barbudo.También son de destacar las caracterizaciones del Kaiser (Syd Chaplin pariente de Charlot y que también hace de sargento) y de Hindenburg (Henry Bergman que también hace del gordo sargento alemán). Tuvieron el detalle de que el Kaiser permaneciera con su brazo izquierdo inmóvil sobre el pomo de la espada. Una pose típica del auténtico Kaiser Gillermo, pues sufrió una rotura en su nacimiento que se lo dejo paralizado.Algunos de los "gags" o personajes son bastante típicos de las películas de cine mudo. Si vemos al ejército teutón enseguida aflora la risa al ver al soldado barbudo o al mini-teniente gritón. Y no digamos ya de la parte en la que Charlot se camufla de árbol (el típico "gag" del disfraz). Pero otros "gags" son bastante sorprendentes si tenemos en cuenta que era 1918. Ahora no nos sorprende una escena "gamberra" pero era la primera vez que se hacían "gags" de algunas situaciones bélicas que en la realidad serían tremendamente trágicas. Y eso que aun no había terminado la guerra. Es el caso de la escenas en la que Charlot hace de francotirador, la inundación de la trinchera, la caída de bombas mientras siguen comiendo impertérritos o la escena de la mascara antigás con el queso limburger.Personalmente creo que el mejor "gag" es cuando se disponen a atacar a la trinchera alemana. Durante los preparativos Charlot comienza a tener malos presagios: su número de identificación es el 13, rompe un espejo, enciende tres cigarrillos con la misma cerilla. Pero tras el asalto el sólito captura a 13 alemanes (entre ellos el mini-teniente). Su superior le pregunta que como lo ha conseguido y Charlot responde: "Los rodeé".Genial

Vida de perro

Vida de perro (A Dog´s Life) es un cortometraje mudo, dirigido y protagonizado por Charles Chaplin en 1918. Fue el primero que realizó para la First National Film.

En él, Chaplin, en el papel de Charlot, es un vagabundo que roba comida para sobrevivir. Más tarde intenta conseguir trabajo en una oficina, pero fracasa ya que le quitan su posición el la fila (había entrado primero).

Luego encuentra a un perro (Scraps) que está siendo perseguido por varios perros, Charlot decide intervenir en la pelea rescatándolo.

Una de las escenas más conocidas y desopilantes del film ocurre cuando decide entrar a un bar y, como el perro no puede entrar, se lo mete en los pantalones. La gente se le queda mirando porque parece que Charlot tiene cola. Allí se enamora de una cantante (Edna Purviance).

Al mismo tiempo unos ladrones roban la billetera de un millonario borracho que Scraps (el verdadero héroe de esta película) desentierra posibiltandole a Charlot y su amada un radical cambio de vida.