tag:blogger.com,1999:blog-69154581318126202882024-03-13T21:12:02.961+01:00Los hermanos LumièreUnknownnoreply@blogger.comBlogger81125tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-33056177455066102752012-08-23T17:55:00.000+02:002012-08-23T17:55:08.169+02:00Alfred Hitchcock<br />
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga,
la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos
narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia
fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con
un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo
películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión
hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente
lo relatado en la pantalla. El <i>Mago del suspense</i> supo unir tramas
de gran solidez con imágenes de excepcional fuerza expresiva, concilió
la calidad con el éxito comercial y legó una de las filmografías más
brillantes e influyentes de la historia: su huella habría de percibirse
en numerosas imitaciones y en la obra de realizadores tan distintos como
el francés François Truffaut o los estadounidenses Brian de Palma y
David Lynch.</div>
<br />
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go1_250.gif" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img height="295" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go1_250.gif" width="400" /></a>Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto
de 1899 en Leytonstone, una población entonces cercana al neblinoso
Londres de Sherlock Holmes, Jack el Destripador y Scotland Yard, y que
hoy es un distrito del East End de la capital británica. Sus padres,
William Hitchcock y Emma Jane Wehlan, dueños de un negocio de
comestibles, ya tenían dos hijos, William (1890) y Ellen Kathleen
(1892), y gozaban de una cierta estabilidad económica, pero tampoco
vivían de un modo excesivamente holgado.</div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
</div>
<div class="post-content the-border">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="the-photoset layout333">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go2_250.gif" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img height="472" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go2_250.gif" width="640" /></a><a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go4_250.gif" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go4_250.gif" width="475" /></a><span class="photoset-image photoset3 col1 row1">
</span><span class="photoset-image photoset3 col2 row1">
</span><span class="photoset-image photoset3 col3 row1">
</span><span class="photoset-image photoset3 col1 row2">
</span><span class="photoset-image photoset3 col2 row2">
</span><span class="photoset-image photoset3 col3 row2">
</span><span class="photoset-image photoset3 col1 row3">
</span><span class="photoset-image photoset3 col2 row3">
</span><span class="photoset-image photoset3 col3 row3">
</span>
</div>
</div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
La
figura de su padre intervino de una forma muy especial en la formación
del carácter y la personalidad del muchacho. Cuando tenía cuatro o cinco
años, su padre lo mandó a la comisaría de policía con una carta. El
comisario la leyó y lo encerró en una celda durante algunos minutos
diciéndole: "Esto es lo que se hace con los niños malos." Nunca
comprendió la razón de esta broma siniestra, porque su padre lo llamó su
"ovejita sin mancha", y vivió una infancia disciplinada, aunque algo
excéntrica y solitaria, escudriñando siempre desde su rincón, con los
ojos muy abiertos, todo lo que pasaba a su alrededor. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Para
Hitchcock, su padre era el típico comerciante del East End, que tenía
el orden, la disciplina y la austeridad en la cima de su escala de
valores para afrontar la vida. Así, el autoritarismo y la rigidez moral
presidieron la educación del joven Alfred. De aquí arranca el interés
del director por el tema de la culpa, omnipresente en todos sus filmes y
esquema común de la trama profunda de sus historias, normalmente como
una alegoría sobre el pecado y la redención. Hitchcock hablaría muy
pocas veces de su madre, y, sin embargo, de mayor intentó siempre
mantenerla a su lado. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Las repercusiones del
catolicismo en su personalidad se acrecentaron durante sus años
escolares, puesto que su primera escuela fue la Casa Conventual Howrah,
en Poplar. La familia se había trasladado en 1906 a esta otra población
desde Leytonstone para abrir un nuevo establecimiento. Al cabo de dos
años, Alfred abandonó la Casa Conventual porque volvieron a trasladarse,
esta vez a Stepney. Allí el muchacho ingresó en el Colegio de San
Ignacio, fundado por los jesuitas en 1894 y especialmente reconocido por
su disciplina, su rigor y su estricto sentido católico. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Este
centro jesuítico dejó una profunda huella en Hitchcock por el modo como
eran tratados allí la culpa y el perdón. El mismo Hitchcock lo
explicaría años más tarde: «El método de castigo, por supuesto, era
altamente dramático. El pupilo debía decidir cuándo acudir al castigo
que se le había impuesto. Debía dirigirse a la habitación especial donde
se hallaba el cura o el hermano lego encargado de administrarlo. Algo
parecido a dirigirte a tu ejecución. Creo que era algo malo. No usaban
el mismo tipo de correa con que azotaban a los chicos en otras escuelas.
Era una correa de caucho». Esta práctica acentuó el miedo del pequeño
Alfred a todo lo prohibido y acaso le descubrió los condimentos más
emocionantes del suspense, esa turbia confusión sadomasoquista que
florece ante lo inminente y fatal. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go6_250.gif" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go6_250.gif" width="475" /></a></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Hasta los catorce
años permaneció en el colegio. En su primer curso sobresalió por su
aplicación y obtuvo una de las seis menciones honoríficas que la
dirección del centro concedía. Había conseguido la calificación de
excelente en latín, francés, inglés y formación religiosa: las
asignaturas que, según el criterio de sus maestros, eran de mayor
importancia. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go3_250.gif" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="472" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go3_250.gif" width="640" /></a></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Sin embargo, el último año en San
Ignacio se destapó el lado travieso, bromista y trasgresor del joven
Alfred, o mejor, del joven Cocky, de acuerdo con el apodo con que lo
conocían sus compañeros. Se dedicó a robar huevos del gallinero de los
jesuitas para arrojarlos contra las ventanas de las habitaciones de los
sacerdotes; o, ayudado por compinches, maniataba a algunos de sus
compañeros y encendía petardos colocados en sus traseros. También esta
vertiente, por un lado irónica y por otro traviesa, infractora de la ley
y hasta gamberra, aparecería luego como uno de los rasgos típicos de su
filmografía. Se trataba de un manera lúdica e indirecta de superar el
complejo de culpa, siempre al acecho inconscientemente.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go7_250.gif" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="472" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go7_250.gif" width="640" /></a></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<br /><i></i></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Hitchcock
recordaba estos años con amargura y, al mismo tiempo, como una
influencia importante en su obra: «Si han sido educados en los jesuitas
como yo lo fui, estos elementos tienen importancia. Yo me sentía
aterrorizado por la policía, por los padres jesuitas, por el castigo
físico, por un montón de cosas. Éstas son las raíces de mi trabajo.» Es
fácil relacionar estos años vividos en el Colegio de San Ignacio con el
interés de Hitchcock por lo macabro y lo criminal. De aquellos años
datan también las visitas del joven al Museo Negro de Scotland Yard para
contemplar su colección de reliquias criminales, y al Tribunal de lo
Criminal de Londres, donde asistía a los juicios por asesinato y tomaba
notas al modo de Dickens, uno de sus escritores preferidos en aquella
época, junto con Walter Scott y Shakespeare.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go8_250.gif" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="472" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go8_250.gif" width="640" /></a></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1913
dejó el colegio y trató de orientar su futuro profesional. Comenzó los
estudios de ingeniero en la School of Engineering and Navigation y
siguió cursos de dibujo en la sección de Bellas Artes de la Universidad
de Londres; al mismo tiempo ayudaba a sus padres en la tienda. Fue
entonces cuando descubrió una nueva afición para sus ratos de ocio: el
cine, que estaba empezando a imponerse como una de las actividades
lúdicas más importantes de Londres. En la capital había más de
cuatrocientos aparatos de proyección, instalados a menudo en pistas de
patinaje. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go9_250.gif" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img height="472" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_luvqrxzhIb1qcx26go9_250.gif" width="640" /></a><b>De cinéfilo a director </b></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Hitchcock,
que desde los dieciséis años leía con avidez revistas de cine, no se
perdía las películas de Chaplin, Buster Keaton, Douglas Fairbanks y Mary
Pickford. Pudo admirar, cuando las películas mudas constituían una
auténtica revelación de las ilimitadas posibilidades del cine, <i>El nacimiento de una nación</i> (1915) e <i>Intolerancia</i>
(1916), apabullante éxito y estrepitoso fracaso, respectivamente, del
gran Griffith. Años después le impresionó vivamente un film de Fritz
Lang, <i>Der müde Tod</i> (<i>Las tres luces</i>, 1921), historia
fantástica que desarrolla el tema romántico de la lucha entre el amor y
la muerte mediante tres episodios que suceden en China, Bagdad y
Venecia, y que decidió también la vocación cinematográfica del español
Luis Buñuel. Al mismo tiempo mantenía su afición por la lectura. «Es muy
probable que fuera por la impresión que me causaron las historias de
Poe por lo que me dediqué a rodar películas de suspense. No quiero
parecer inmodesto, pero no puedo evitar comparar lo que he intentado
poner en mis filmes con lo que Poe puso en sus narraciones», diría años
más tarde.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<a href="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_pajaros_2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="290" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_pajaros_2.jpg" width="340" /></a></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En
diciembre de 1914 murió su padre. Alfred quedó profundamente afectado y
hubo de rehacer su vida junto a su madre. Los hermanos mayores ya no
vivían en la casa y, además, había estallado la Primera Guerra Mundial.
Tuvieron que abandonar el negocio y volver a Leytonstone, porque allí
tenían más amigos. El muchacho encontró trabajo al cabo de poco tiempo
en las oficinas de la Henley Telegraph and Cable Company. Por quince
chelines a la semana revisaba o calculaba los tamaños y los voltajes de
los cables eléctricos. Sin embargo, como esta ocupación no le gustaba,
al cabo de unos meses logró que le trasladaran al departamento de
publicidad. Con ese trabajo creativo se labró cierto prestigio, a pesar
de su juventud. Se libró del reclutamiento gracias a su trabajo en una
compañía que colaboraba con la guerra y a su obesidad.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En
1920, a los veintiún años, aquel joven cuya afición al cine había ido
creciendo leyó en una revista que una compañía cinematográfica
estadounidense, la Famous Players-Lasky, iba a instalar unos estudios en
Londres. No se lo pensó dos veces y se presentó en las oficinas de la
Famous con unos bocetos de decoración para películas mudas que había
diseñado con la ayuda de su jefe en el departamento de publicidad de la
Henley. De inmediato, la compañía lo contrató como diseñador de rótulos y
decorados y, en cuanto el sueldo de la Famous se lo permitió, abandonó
la Henley. El primer año trabajó de rotulista en varias películas, y al
año siguiente consiguió que le fueran encargados los escenarios y los
diálogos menores de nuevos filmes. Los escribió bajo la dirección de
Georges Fitzmaurice, quien también le inició en las técnicas de
filmación.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<a href="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_rodaje.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="321" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_rodaje.jpg" width="340" /></a>En 1923 el actor, guionista y productor Seymour Hicks le ofreció que codirigiera un filme menor, <i>Always tell your wife</i>, y poco después colaboró en el rodaje de una película inacabada por falta de presupuesto, <i>Mrs. Peabody</i>.
Eran sus primeras experiencias cinematográficas de verdad. En los
estudios, Hitchcock había conocido a una tal Alma Reville, un muchacha
de su misma edad, natural de Nottingham, extremadamente menuda y delgada
(todo lo contrario que él) y gran aficionada al cine, que había
trabajado en los estudios de una compañía londinense desde los dieciséis
años, la Film Company, y que luego pasó a la Famous. Alma y Hitchcock
colaboraron en varias películas dirigidas por Graham y Cutts, y en 1923
viajaron a Alemania para localizar los exteriores de un filme cuyo guión
había escrito Hitchcock, <i>The prude's fall</i>. En el barco de regreso a Inglaterra, Hitchcock se declaró e iniciaron un largo noviazgo.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Los
primeros años trabajaron juntos en películas de la productora de Michel
Balcon, la Gainsbouroug Pictures Ltd., como por ejemplo <i>The blackguard</i>,
un filme para el cual el equipo tuvo que trasladarse varios meses a
Alemania, circunstancia que Hitchcock aprovechó para conocer la obra de
los grandes directores alemanes de la época, como Fritz Lang o Erich von
Stroheim. En 1925, Balcon le propuso dirigir una coproducción
anglo-alemana titulada <i>El jardín de la alegría</i> (The pleasure
garden). Era su primera oportunidad como director. El resultado, al
parecer, agradó a los directivos, porque aquel mismo año dirigió otros
dos filmes, <i>El águila de la montaña</i> (The mountain eagle) y <i>El enemigo de las rubias</i> (The lodger). Las tres se estrenarían en 1927.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="519" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/enemigo_rubias_1.jpg" width="640" /><br />Fotograma de<i> El enemigo de las rubias</i> (1927)</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
El
2 de diciembre de 1926 se casó con Alma según el rito católico y se
establecieron en Cromwell Road, en Londres. Al estrenarse, los filmes
obtuvieron una buena acogida por parte del público y de la crítica. En
ellos, el director aparecía marginalmente, sin estar incluido en el
reparto: era su manera de firmar sus películas, que luego se haría tan
popular. Aprovechando el éxito, cambió de productora, y a finales de
1927 rodó <i>El ring</i> (The ring), un filme basado en un guión propio
con la British International Pictures. Con esta película se convirtió en
uno de los directores más cotizados de Inglaterra y empezó su camino
fulgurante hacia la fama internacional.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<b>La fama</b></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Con
el éxito internacional aumentó considerablemente sus ingresos, y se
compró una casa de veraneo en Shamley Green, en las afueras de Londres,
cerca de la cual se instalaría su madre poco después. En 1928 nació su
hija Patricia Alma; al parecer, el director nunca había pasado tantos
nervios como durante el parto. Por entonces, los Hitchcock tenían una
intensa vida social, y las veladas con amigos de la productora, la
British, eran habituales en la casa de Cromwell Road, en las que a veces
ofrecía a los amigos uno de sus números cómicos particulares:
Hitchcock, que pesaba más de ciento treinta kilos, aparecía desnudo de
cintura para arriba, con un marinero pintado en la inmensa barriga, que
agitaba rítmicamente mientras silbaba. En una ocasión se vistió de mujer
y grabó su actuación. La cinta, que conservó toda su vida, sería
exhibida en 1976 en una sesión privada en los estudios de la Universal.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1928 rodó sus últimos filmes mudos, <i>The farmer's wife</i>, <i>Champagne</i> y <i>The maxman</i>, y al año siguiente estrenó su primera película sonora, <i>La muchacha de Londres</i>
(Blackmail), basada en una obra teatral que estaba teniendo un gran
éxito en la capital. Por primera vez un filme británico incorporaba una
banda sonora, a partir de la tecnología de la RCA estadounidense. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Otros filmes hablados, como <i>Juno and the Paycock</i> (1930), <i>Murder</i> (1930) y <i>The Skin game</i>
(1931), sin alcanzar un gran éxito de público y crítica, le confirmaron
como uno de los directores británicos más inteligentes y creativos y
que más innovaciones e ideas técnicas estaba aportando al mundo del
cine. Su preocupación era encontrar un estilo narrativo propio, para lo
cual descubrió nuevas posibilidades expresivas en el montaje, en los
movimientos de cámara y en el empleo de la luz. Lo suyo era el arte de
la cámara: su enorme dominio de la imagen, a nivel persuasivo y
sentimental, hacía que el público se identificara con sus historias y
con sus personajes y convertía en verosímiles la fantasía y el misterio,
las situaciones extrañas y originales con que vestía la realidad. Su
extraordinaria narrativa cinematográfica llevaba al público a vivir
apasionadamente lo que sucedía en la pantalla. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1932, por imposición de la British, tuvo que filmar una comedia de enredos y persecuciones, <i>El número 17</i> (Number Seventeen), y luego rodó <i>Mejor es lo malo conocido</i>
(Rich and Strange, 1932), una película cuyo argumento se le ocurrió al
matrimonio Hitchcock durante un crucero por el Atlántico y el Caribe que
hicieron con su hija en 1931: una modesta pareja londinense, gracias a
una herencia inesperada, realiza un crucero alrededor del mundo, durante
el cual pasan de la alegría a los temores, las tristezas y las
infidelidades, para recuperar, tras un naufragio, su lealtad. Después de
<i>Valses de Viena</i> (Waltzes from Vienna, 1933), una biografía del
compositor Richard Strauss hecha por encargo, Hitchcock volvió a
trabajar para Michel Balcon, que había fundado la productora
Gaumont-British.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<b>Maestro del suspense</b></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
A
partir de entonces empieza la gran época del cine de Hitchcock, la
época de los grandes títulos de su filmografía, una etapa dorada de
creación ininterrumpida que duraría prácticamente hasta el fin de sus
días. La primera película que hizo con la nueva productora fue <i>El hombre que sabía demasiado</i>
(The man who knew too much, 1934), una obra de arte del cine de
suspense que fue elegida por la crítica como la película del año en
Inglaterra. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Le siguieron otros títulos fundamentales de su filmografía: <i>39 escalones</i> (The thirty-nine steps, 1935), <i>Agente secreto</i> (The secret agent, 1936) y <i>Sabotaje</i>
(Sabotage, 1936), todos ellos filmes ya clásicos en los que la trama y
la intriga lograban crear una tensión psicológica como nunca se había
visto en el arte cinematográfico, y en los que la fuerza expresiva de
las imágenes mezclaba con genial sabiduría la acción y los apuntes
psicológicos de los personajes. Todo ello se rodeaba a menudo de un
trasfondo metafísico-existencial en el que se concebía el amor de un
modo romántico y redentor, y en el que la delimitación entre el bien y
el mal y la conciencia de pecado no estaban exentas de cierta
fascinación divertida por los malvados. Hitchcock era humanista y
satírico a la vez, sádico y con un particular sentido del humor.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="455" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/39_escalones.jpg" width="640" /><br /><i>39 escalones</i> (1935)</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En
cada nuevo filme perfeccionaba la técnica de la intriga, que a lo largo
de su carrera llegó a cimas difícilmente superables. Su último filme
británico fue <i>La posada de Jamaica</i> (Jamaica Inn, 1938), que no
obtuvo mucho éxito a pesar de estar protagonizado por Charles Laugthon,
ya famoso, junto a una jovencísima Maureen O'Hara. En marzo de 1939,
meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Hitchcock partió
junto a su mujer, su hija y su secretaria personal, Joan Harrison, a
Nueva York. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
El
viaje respondía a una oferta de David O. Selznick, el poderoso
productor norteamericano, que en un viaje a Estados Unidos realizado el
año anterior le había propuesto dirigir en Hollywood. La película
resultante fue <i>Rebeca</i> (Rebecca, 1940), uno de sus filmes más
célebres, que supuso un Oscar para la protagonista, Joan Fontaine. La
siguiente película estuvo condicionada por la circunstancia histórica:
la guerra se extendía, parecía larga y complicada, y en <i>Enviado especial</i> (Foreing Correspondent, 1940), una obra de contenido belicista, hizo un alegato en favor de los aliados.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="542" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_fontaine_rebeca.jpg" width="640" /><br />Con Joan Fontaine en la presentación de <i>Rebeca</i> (1940)</div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Hitchcock
había llegado a un acuerdo con Selznick por el que le produciría dos
películas al año por un sueldo de 2.750 dólares semanales y una
bonificación de 15.000 dólares anuales. Una cláusula especial le
permitía en 1941 rodar dos películas con otra productora, la R.K.O. Se
trataba de <i>Matrimonio original</i> (Mr. and Mrs. Smith) y <i>Sospecha</i>
(Suspicion), otro de los títulos clásicos de su carrera. El director
seguía en su línea de perfeccionamiento del cine de intriga, aportando
en cada película nuevos descubrimientos técnicos, ocurrencias narrativas
y trucos geniales que crearon escuela en la historia del cine.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Al
poco tiempo de llegar a Hollywood, en 1941, los Hitchcock se
trasladaron al apartamento de Carole Lombard en Bel Air; la actriz había
decidido vivir con su pareja, Clark Gable. El mismo año, dado que la
conflagración mundial se complicaba cada vez más, Alma viajó a
Inglaterra y trajo consigo a su madre. Alfred también fue a Londres para
recoger a la suya y llevarla a los Estados Unidos, pero su madre se
negó. Hitchcock, cuya vuelta a Los Ángeles coincidió con los primeros
bombardeos nazis sobre Inglaterra, tuvo que conformarse pensando que su
madre vivía todo el tiempo en Shamley Green y contaba con la protección
de su hermano William. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Al año siguiente, Carole
Lombard murió y el matrimonio tuvo que cambiar de casa; se trasladaron a
Bellagio Road, también en Bel Air. Su siguiente película fue <i>Sabotaje</i>
(Saboteur, 1942), producida por la Universal Pictures a pesar de la
oposición de Selznick, que provocó una gran tensión a lo largo del
rodaje. A partir de entonces decidió no rodar más de una película por
año. En 1943 hizo <i>La sombra de una duda</i> (Shadow of a doubt).
Aquel año murió su madre en Londres, el 26 de septiembre, a causa de una
polionefritis aguda. Hitchcock a duras penas pudo soportar el golpe:
quedó emocionalmente destrozado y adelgazó cuarenta kilos en pocos
meses.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="483" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/recuerda_1a.jpg" width="640" /><br /><span style="font-size: xx-small;">Los decorados oníricos de <i>Recuerda</i> (1945)<br /> corrieron a cargo de Dalí</span></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
La serie de filmes siguientes contenía títulos también de primer orden; algunos figuran entre sus obras más importantes: <i>Náufragos</i> (Lifeboat, 1943); <i>Recuerda</i> (Spellbound, 1945); <i>Encadenados</i> (Notorious, 1946), con Ingrid Bergman; <i>El proceso Paradine</i> (The Paradine Case, 1947), con Gregory Peck en el papel principal; y <i>La soga</i>
(Rope, 1948), su primer filme en color, con James Stewart de
protagonista, actor que se convertiría en uno de sus preferidos y con
quien trabajaría en muchas otras películas célebres. En <i>Recuerda</i>,
considerada como una de las cimas de la filmografía de Hitchcock,
trabajaba por primera vez con Ingrid Bergman y con Gregory Peck, al que
lanzó a la fama, y contó con la colaboración de Salvador Dalí para los
decorados, de tipo onírico. Algunas de las secuencias con los dos
protagonistas se cuentan, a juicio de muchos especialistas, entre las
mejores escenas de amor romántico de toda la historia del cine.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<b>Los gloriosos cincuenta</b></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
A
comienzos de los años cincuenta, con su reputación cinematográfica por
las nubes y una sólida posición económica, estrenó películas que
confirmaron su fama en el mundo entero, como <i>Atormentada</i> (Under Capricorn, 1949), <i>Pánico en la escena</i> (Stage Frigth, 1950) y <i>Extraños en un tren</i>
(Strangers on a train, 1951), un éxito rotundo de crítica y de público.
La versión radiofónica del filme, estrenado por la CBS, batió todos los
récords de audiencia. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="485" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/extranos_tren_1.jpg" width="640" /><br /><i>Extraños en un tren</i> (1951)</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En
1951, el matrimonio Hitchcock realizó un viaje de placer por Italia,
Alemania, Países Bajos, Suecia y Noruega. Durante el viaje, la hija de
Hitchcock se prometió con Joseph O'Conell, un alto cargo de una
corporación, con quien se casó en la catedral de San Patricio de Nueva
York al año siguiente. El padre no vio con muy buenos ojos esta boda de
su hija, puesto que hasta entonces la muchacha había colaborado con él
en algunas películas (años más tarde trabajaría en <i>Psicosis</i>) y
estudiaba teatro; hubiera querido un yerno relacionado con el mundo del
cine. A cambio, intentó atraer a O'Conell a la industria
cinematográfica, sin mucho éxito. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<i>Yo confieso</i>
(I confess, 1953), el filme siguiente, se rodó en medio de una difícil
relación entre el director y el protagonista, un Montgomery Clift en un
estado de destrucción psicológica y alcoholismo bastante preocupante.
Parece ser que una noche, durante el rodaje, Hitchcock llegó a
emborrachar premeditadamente a Clift para dejar en evidencia los límites
de su desequilibrio. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Apareció entonces en el
firmamento cinematográfico de Hitchcock una nueva estrella que
acapararía durante unos años toda su atención: Grace Kelly. Con ella, la
actriz que mayor fascinación le produjo nunca en su carrera, rodó <i>Crimen perfecto</i> (Dial M for murder, 1953), <i>La ventana indiscreta</i> (Rear window, 1954), junto a James Stewart, y <i>Atrapa a un ladrón</i>
(To catch a thief, 1955), junto a Cary Grant. Son algunas de las
películas más conocidas del maestro de la intriga. Su adoración por
Grace llegó a su punto máximo en la última de las tres, cuyo rodaje se
alargó a causa de que el director se empeñó en que la actriz bailara con
un espectacular traje dorado en la última escena.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="425" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/ventana_indiscreta_3.jpg" width="640" /><br /><i>La ventana indiscreta</i> (1954)</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1955 estrenó <i>Pero ¿quién mató a Harry?</i>,
que dio su primera oportunidad y lanzó a la fama a una veinteañera
Shirley MacLaine. Era un brillante experimento en el que el misterio y
la intriga se mezclaban genialmente con lo cómico, en una combinación de
comedia y cine de suspense. A raíz de su nueva nacionalidad
estadounidense, obtenida en 1955, firmó un contrato con la productora de
televisión CBS para realizar una serie semanal de media hora de
duración titulada <i>Alfred Hitchcock presents</i>, que de 1960 a 1965 se siguió realizando para la NBC. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Una segunda versión de <i>El hombre que sabía demasiado</i> (1956), con James Stewart y Doris Day, <i>Falso culpable</i> (The Wrong Man, 1957), con un estelar Henry Fonda, <i>Vértigo</i> (Vertigo, 1958), de nuevo con Stewart, ahora junto a una Kim Novak debutante, y <i>Con la muerte en los talones</i>
(North by Northwest, 1959), con Cary Grant y Eva Marie Saint, fueron la
serie de filmes archifamosos de la segunda mitad de los años cincuenta.
Todas las protagonistas femeninas de Hitchcock empezaban a responder a
un mismo prototipo: Kelly, Novak o Saint eran rubias platino, delgadas,
dulces, bellas, delicadas, angelicales, finas; toda una propuesta de
arquetipo femenino.</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<b>La etapa final </b></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1960 llegó <i>Psicosis</i>
(Psycho), uno de sus éxitos más clamorosos y polémicos. Superando a sus
obras anteriores, la película conmocionó la mentalidad de la época e
inauguraba el género del suspense de tema psiquiátrico, el llamado <i>thriller</i>
psicológico. Un jovencísimo Anthony Perkins (interpretando la doble
personalidad de Norman Bates), Vera Miles y Janet Leigh formaron el
famoso trío protagonista. El rodaje había sido carísimo, pero la
recaudación fue tal que Hitchcock, con los beneficios obtenidos, pudo
comprar tantas acciones de la Universal como para convertirse en el
tercer accionista de la compañía. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Las
siguientes películas estuvieron marcadas por el descubrimiento de una
nueva actriz y musa particular, Tippi Hedren. Con ella rodó dos
películas fundamentales en la evolución de su obra, <i>Los pájaros</i> (The Birds, 1963) y <i>Marnie, la ladrona </i>(Marnie,
1964). Parece que el interés a nivel personal del director por la
actriz llegó a tal extremo de insistencia, según pudo comprobar todo el
equipo del rodaje, que la relación acabó cortada por completo, porque
Hitchcock no pudo soportar el rechazo de Hedren y decidió no volver a
trabajar con ella. En sus filmes siguientes supeditó su creatividad y su
bagaje acumulado a ciertos criterios comerciales y a la colaboración de
estrellas consagradas. Así, filmó <i>Cortina rasgada</i> (Torn Curtain, 1966) con Paul Newman y Julie Andrews, y <i>Topaz</i>
(1969), películas ambas muy marcadas por el contexto de la guerra fría,
en las que se daba un mensaje propagandístico claramente prooccidental y
antisoviético. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1968, la Academia de Artes y
Ciencias Cinematográficas le concedió el Memorial Irving G. Thalberg, en
compensación del error tremendo de no haberle concedido nunca un Oscar,
a pesar de que había sido nominado en cinco ocasiones (por <i>Rebeca</i>, <i>Náufragos</i>, <i>Recuerda</i>, <i>La ventana indiscreta</i> y <i>Psicosis</i>).
Una vez más, uno de los mejores directores de la historia del cine se
había quedado sin la estatuilla. En el acto de entrega el director se
limitó a dar las gracias. Mientras, en Europa, la obra de Hitchcock se
había convertido en referencia y guía de toda una nueva generación de
directores, entre los que destacaría Truffaut, de cuyas charlas con el
maestro surgió un largo libro en el que el cineasta hablaba extensamente
de su vida, del cine y de su obra. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
En 1971, con motivo del rodaje de <i>Frenesí</i>
(Frenzy, 1972), permaneció en Europa una temporada, durante la cual se
le sumaron las dificultades: su salud empezó a empeorar y Alma sufrió un
ataque de apoplejía que le afectó el habla. La posibilidad de perder a
su esposa aumentó la predisposición de Hitchcock hacia el alcohol.
Cuando en 1975 su esposa experimentó una mejoría, recuperó parte de su
antiguo vigor y rodó <i>La trama</i> (Family Plot, 1976), su última película. </div>
<div class="piefotos" style="text-align: justify;">
<img height="380" src="http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/trama_1.jpg" width="640" /><br /><i>La trama</i> (1976)</div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Pero,
a sus setenta y seis años, Hitchcock padecía de artritis y su corazón
estaba delicado. En 1976 el director sufrió un colapso, y Alma un nuevo
ataque de apoplejía. Durante los años siguientes sus colaboradores
trataban de mantenerle el ánimo alto y le visitaban con frecuencia,
intentando alejarlo de los rumores periodísticos sobre su alcoholismo y
su envejecimiento progresivo. Llovían los homenajes: en 1978 recibió el
premio a la labor de una vida del American Film Institute; en 1979 fue
galardonado como el Hombre del Año por la Cámara de Comercio
británico-americana; el mismo año fue nombrado por real decreto
caballero comendador del Imperio británico. </div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="mono" style="text-align: justify;">
Pocos
meses después, la mañana del 29 de abril de 1980, moría el maestro y el
genio del cine de terror, de suspense y de misterio, un hombre que creó
un estilo y un mundo propios como pocos directores lo lograron a lo
largo de la historia del cine. Se hallaba preparando ansiosamente, con
su rigor y meticulosidad habituales, un nuevo guión de hierro para su
película número cincuenta y cuatro, adaptación de la novela de Ronald
Kirkbride titulada <i>The short night</i>. Pero Hitchcock, que había dicho "mi amor por el cine es más fuerte que cualquier moral", ya no podía hacer cine.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-8633313796404828162012-08-11T11:16:00.000+02:002012-08-11T11:16:28.749+02:00El hijo de la furia<div style="text-align: justify;">
¡Ay, Tyrone Power!</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m6opsvGpDS1r3i95ho1_1280.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="464" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m6opsvGpDS1r3i95ho1_1280.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aguantando palizas de su patrón, usurpador de su legítimo
título nobiliario. Ligándose a la hija del patrón sin despeinarse, y
dejándola para irse a buscar fortuna a sudamérica, buscando perlas en
ostras.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Encontrando a la indígena más bella de la galaxia, y dejándola, esta vez
para llevar a juicio al patrón déspota. Descubriendo que la hija es una
arpía, ganando el juicio in extremis y regresando para quedarse con ese
milagro de la naturaleza llamado Eva.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lfsgq0ujxN1qfzzmyo1_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lfsgq0ujxN1qfzzmyo1_250.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Y luego está Gene, de la que Zanuck dijo que sería "incuestionablemente
la actriz más bella de la historia del cine". Palabra del productor de:
El enemigo público, la venganza de Frank James, las uvas de la ira, qué
verde era mi valle, el filo de la navaja, pasión de los fuertes, Eva al
desnudo...</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" style="width: 100%px;" valign="baseline"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>Son of Fury: The Story of Benjamin Blake</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1942 </td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=John+Cromwell">John Cromwell</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>Philip Dunne (Novela: Edison Marshall)</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Alfred Newman</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>Arthur C. Miller (B&N)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Tyrone+Power">Tyrone Power</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Gene+Tierney"> Gene Tierney</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=George+Sanders"> George Sanders</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Frances+Farmer"> Frances Farmer</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Elsa+Lanchester"> Elsa Lanchester</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Kay+Johnson"> Kay Johnson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=John+Carradine"> John Carradine</a></td>
</tr>
<tr>
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Twentieth Century-Fox Film Corporation</td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>SINOPSIS</th>
<td>Benjamin Blake, hijo ilegítimo de un noble, tendrá que vérselas
con su autoritario tío Sir Arthur Blake para hacer valer sus derechos
como heredero, lo que da lugar a una auténtica batalla legal. Mientras
tanto, se enamora de su prima Isabel y de una indígena a la que llama
Eva. </td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-58247569121657120902012-08-11T11:02:00.000+02:002012-08-11T11:02:15.020+02:00La ruta del tabaco<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lj8zhzmahj1qic5j2o1_400.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="468" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lj8zhzmahj1qic5j2o1_400.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El cine de John Ford se compone de pequeños detalles, escenas sin
aparente importancia, que son al final las que perduran en la memoria
colectiva. Ahí están la pelea en la boda de Centauros del desierto, los
ladrones leyendo cómo cuidar a un bebé en Tres Padrinos, o el apretón de
manos de El hombre tranquilo. En La ruta del tabaco encontramos varias
escenas así, de esas que le arrancan al espectador alguna carcajada o
alguna lagrima en el momento menos esperado, y que, al acabar, dejan un
buen sabor de boca, a pesar de que se trate de una de las llamadas
"menores" del genio de Maine. Y es que, sin ser de sus grandes obras, es
una película de Ford. Eso se ve desde el comienzo. Esos planos del
solitario camino, ese lirismo arrebatador, que tan bien sabía
representar Ford, demostrando cómo el paso de los años ha hecho mella en
la zona, donde ya no queda más que polvo.<br />
<br />
Alguien dijo que el cine de John Ford cuenta la historia de los
irlandeses. Aún siendo el cronista oficial de la historia norteamericana
hasta la mitad del siglo XX, siempre tuvo presente su origen, y en su
trilogía sobre la pobreza, no hace otra cosa que narrar los sucesos de
la gran hambruna que sufrió Irlanda en el siglo XIX, y que acabó con su
familia en el nuevo mundo. Por ello, todo su cine está impregnado de una
sensibilidad que sale de la propia experiencia, y más aún estas tres
películas. Pero para Ford, nunca una historia es lo demasiado triste
como para dejar de lado el humor. Es la gran clave de la película,
porque, narrando una historia tan dura y sombría, lo hace con su
candidez habitual, con personajes entrañables, y diálogos cómicos, dando
lugar a unas situaciones que en algún momento podrían llegar a parecer
escatológicas. Pero, a pesar de todo, nunca deja de ser lo que Ford
siempre ha contado, historias sencillas de personajes.<br />
<br />
La película es un auténtico lucimiento para Charles Grapewin, un actor
que nunca es lo suficientemente reconocido. Él solo lleva el peso de la
película en todos los ámbitos. Con una interpretación muy fordiana, sabe
darle el punto exacto entre comedia y drama para hacer creíble y
entrañable su personaje. Una interpretación simplemente brillante. Todo
el reparto es un muestrario el cine fordiano, lo que podríamos llamar
irlandeses, locos, sueltos entre ellos, inadaptados, ya sea a un lugar o
a una época. Y Ford es el único que sabría hacer algo así sin resultar
caricaturesco o bufonesco. Es, probablemente, el único director que ha
conseguido que en sus películas la cámara nunca esté, si no que sea el
espectador el que sienta directamente la historia. Estamos realmente
ahí, en esa pequeña granja desahuciada, y no la vemos através de una
pantalla. También destacar esa brillantez plástica que consigue Ford
siempre. Ya pueden ser los claroscuros de Centauros del desierto o el
primer plano de Tom Joad en Las uvas de la ira, conseguía hacer poesía
de la imagen, sin necesidad de barroquismos y efectismos. La sencillez
hecha cine.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-16398334961199843572012-08-11T10:46:00.000+02:002012-08-11T10:46:32.334+02:00Gene Tierney<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luyxx4UI4P1qic5j2o1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_luyxx4UI4P1qic5j2o1_500.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Gene
Tierney pertenece a un “grupo” de actrices que son tan hermosas que a nadie
le importa realmente si pueden o no actuar, o si lo hacen bien. Es suficiente
que permanezcan en pose, y se muestren deseables. Fue el público el que la convirtió
en una estrella. En sus primeros años en el cine, Gene Tierney era un estrellita
joven que lucía sexy y atractiva, una más de las tantas que abundaban en el
Hollywood de esa época. Pero no tardó mucho en manifestarse ese “algo”, que
en la jerga del cine es más importante poseer que la habilidad misma, que la
transformó en una verdadera estrella y la distinguió del resto. La sensualidad
demostrada en películas como <i><b>Laura (Laura, 1944)</b></i> o en <b><i>The
Razor's Edge (El filo de la navaja, 1946)</i></b> ha sido pocas veces igualada
en la historia del cine. No importaba que fuera buena o mala –o regular- en
sus interpretaciones, simplemente, iluminaba con su presencia la pantalla de
tal forma que toda crítica destructiva para con ella se transformaba en un mero
detalle. El paso del tiempo no hizo otra cosa que aumentar la fascinación de
esta mujer, y un halo de “experiencia” de alguien que ha vivido lo suficiente
estaba siempre latente.
</div>
<div style="text-align: justify;">
Nació en Brooklyn, Nueva York, el 19 de noviembre de 1920, hija de un acaudalado
hombre de negocios, posición que le permitió acceder a una excelente educación,
en Connecticut y en Suiza. En una reunión de sociedad conoció al director Anatole
Litvak, quien, impresionado por su belleza y magnetismo, la recomendó a directivos
de la Warner Bros. y Columbia, y para ellos realizó diferentes pruebas cinematográficas,
pero ninguna pareció convencerlos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<img align="left" alt="Gene Tierney y Charley Grapewin en TOBACCO ROAD (1941)" height="170" hspace="7" src="http://www.hollywoodclasico.com/pics/37-2.jpg" vspace="4" width="199" />La
MGM se interesó en ella para estelarizar la película <b>National Velvet</b>,
pero a último momento decidieron posponer la filmación (que años más tarde,
en 1945, protagonizaría Elizabeth Taylor, con singular éxito), y la Tierney
quedó nuevamente a la deriva. Un cazador de talentos de la 20th. Century Fox
la presentó en el famoso estudio. Inmediatamente le fueron asignados papeles
relativamente importantes en películas con fuertes interpretaciones masculinas,
como <i><b>The Return of Frank James (La venganza de Frank James, 1940)</b></i>
y <i><b>Tobacco Road (El camino del tabaco, 1941)</b></i>, pero los críticos
no fueron buenos con ella, y la catalogaron como “el peor descubrimiento del
año”. </div>
<div style="text-align: justify;">
Sin embargo, la Fox detectó algo potencial en la Tierney, y
decidió ofrecerle un largo contrato de exclusividad, prometiéndole mejores papeles.
Así, le dieron el rol de la rebelde <b><i>Belle Starr (La indómita, 1941)</i></b>,
junto a Randolph Scott y Dana Andrews, y la película tuvo una buena acogida.
Pero no sólo la Fox estaba impresionada con el nuevo descubrimiento: también
la Artistas Unidos solicitó sus servicios, y le dio papeles de muchacha nativa
en las producciones<b><i> Sundown (Cuando muere el día, 1941)</i></b> y <i><b>The
Shanghai Gesture (La pecadora de Shanghai, 1941)</b></i>. La Fox, para no ser
menos, le ofreció un papel similar en <b><i>Son of Fury (El hijo de la furia,
1942)</i></b>, y aunque las críticas sobre sus interpretaciones en las tres
películas no fueron del todo elogiosas, bastaron para estabilizar su carrera
y convertirla poco a poco en una estrella en ciernes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<img align="right" alt="Clifton Webb y Gene Tierney en LAURA" height="172" hspace="7" src="http://www.hollywoodclasico.com/pics/37-3.jpg" vspace="4" width="199" />De
allí en más actuó en una serie de comedias más bien rutinarias, pero parecía
que una fase de “diosa” se estaba formando alrededor suyo, y cuando Hedy Lamar
abandonó el papel de Laura, la Tierney lo aceptó, y la película la inmortalizó
de la noche a la mañana. Su interpretación fue única, ya que le dio al papel
central un perfil amoroso, cuando en realidad la intención era rodearlo por
una halo de misterio. Poseedora ya una reputación bien merecida, Gene Tierney
eligió muy bien sus roles de allí en más: ofreció una actuación inolvidable
dando vida a una despiadada mujer que no se detiene ante nada con tal de lograr
lo que desea en la película del género negro <i><b>Leave Her to Heaven (Que
el Cielo la juzgue, 1945)</b></i>. Por esta actuación fue nominada al Oscar
a la Mejor Actriz, pero perdió frente a Joan Crawford por <i><b>Mildred Pierce
(El suplicio de una madre, 1945)</b></i>. Después fue una esposa que cae víctima
de los desmanes de su marido en la película gótica <i><b>Dragonwyck (El castillo
de Dragonwyck, 1946)</b></i>, tomó otro rol importante en una película “negra”
junto a Tyrone Power en <i><b>The Razor's Edge (El filo de la navaja, 1946)</b></i>
y encarnó a una viuda que se enamora del fantasma de un capitán de barco en
<i><b>The Ghost and Mrs. Muir (La dama y el fantasma, 1947). </b></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<img align="left" alt="Que El Cielo la Juzgue" height="268" hspace="7" src="http://www.hollywoodclasico.com/pics/37-4.jpg" vspace="4" width="199" />Después
de algunas películas rutinarias más, la Fox pareció perder interés en ella,
por lo que a principios de la década del ’50, Gene Tierney apareció en algunas
producciones para la Metro y la Paramount. Hacia 1951 estuvo en la Argentina,
protagonizando una discreta película ambientada en las pampas, titulada <b>
<i>Way of a Gaucho (El camino del gaucho, 1952)</i></b>, junto a Rory Calhoun.
No conforme con los roles que le ofrecían, decidió emigrar a Inglaterra, donde
filmó <b><i>Personal Affair (Un asunto personal, 1953</i></b>), y decidió permanecer
un tiempo en Europa, ya que había iniciado un romance con el príncipe Aly Khan.
La pareja no funcionó y Gene regresó a Hollywood, donde la Fox la ubicó en algunas
películas donde su actuación era meramente “de relleno”, como <i><b>Black Widow
(La Viuda Negra, 1954)</b></i>, secundando a Ginger Rogers y <b><i>The Left
Hand of God (Del destino nadie huye, 1955)</i></b>, junto a nada menos que Humphrey
Bogart. </div>
<div style="text-align: justify;">
Luego, voluntariamente, Gene Tierney se internó en una institución para pacientes
con trastornos mentales, en Idaho. Hacía ya un largo tiempo que la actriz no
se sentía bien, y era blanco de súbitos ataques de pánico. Las causas parecen
haber sido varias, pero todo parecía indicar que Gene nunca pudo superar el
hecho de que su primera hija (que tuvo con su diseñador de vestuarios, Oleg
Cassini) hubiera nacido con retraso mental, debido a que, durante el embarazo,
Tierney se contagió de rubéola de una admiradora que la besó efusivamente en
la mejilla. Otros, dicen que no pudo superar la ruptura de su noviazgo con el
príncipe. Por muchos años estuvo alejada por completo del cine, y sus admiradores
esperaban ansiosos su retorno.</div>
<div style="text-align: justify;">
La Fox le ofreció varios papeles, pero Gene no se sentía cómoda con ellos.
A la vez, en 1960 contrajo matrimonio con un millonario petrolero, por lo que
su retorno a la pantalla parecía cada vez más lejano. Decidida a complacer al
estudio que tanto había hecho por su carrera, aceptó papeles secundarios en
<i><b>Advise and Consent (Tormenta sobre Washington, 1962)</b></i> y <i><b>The
Pleasure Seekers (En busca del placer, 1964)</b></i>, donde se notaba en ella
el paso de los años y alguna que otra secuela de su enfermedad. En definitiva,
no se sintió interesada en seguir filmando, por lo que decidió retirarse.</div>
<div style="text-align: justify;">
En sus últimos años, se mantuvo muy activa escribiendo en un diario de Houston
acerca de sus propias investigaciones para el estudio de la salud mental, y
organizó varias cruzadas a favor de los niños que requieren educación especial.
Se sentía inmensamente feliz con la posibilidad de ayudar a quienes, como ella,
sufrían padecimientos similares. Finalmente, falleció de enfisema el 6 de noviembre
de 1991. </div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m6yuraq0Iw1ruovcco1_400.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="378" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m6yuraq0Iw1ruovcco1_400.gif" width="640" /></a></div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-26492044100936098182012-08-11T10:37:00.002+02:002012-08-11T10:38:27.962+02:00Rita: LA DAMA DE SHANGAI<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7dn557wn91qdm4tlo1_400.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="492" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7dn557wn91qdm4tlo1_400.gif" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Un trotamundos de origen irlandés llamado Michael O'Hara (Orson Welles),
que ha luchado en la guerra civil española y que vive ahora de forma
más apacible, es contratado para conducir un lujoso yate en un viaje de
placer por el mar Caribe organizado por un prestigioso abogado
criminalista (Everett Sloane) y su bella mujer (Rita Hayworth). </span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">
Elementos como el amor, la intriga o el suspense concurren en esta
película de cine negro desplegados en una difícil y compleja trama,
ensalzada por la brillante capacidad visual de Welles, que comprende
todo ese lujoso barroquismo característico de su autor, la habilidad en
la puesta en la escena y el montaje, en la utilización del sonido (a
pesar de la perjudicial intervención de Harry Cohn) y la manera de crear
una turbia atmósfera mediante la adecuada tensiónestablecida entre la
imagen fotografiada soberbiamente por Charles Lawton Jr. y los diálogos
escritor por el propio Welles, que marcan un nuevo y sobresaliente
título, obra de un hombre clave para el devenir del cine mundial.
<br /><br />Excelentes interpretaciones de todos los protagonistas, entre
los que se incluye una rubia Rita Hayworth, a la que su marido por
aquella época (si bien ya estaban a punto de la separación) cortó y tiñó
el cabello pelirrojo que tan radiantemente había lucido en una famosa
película anterior, "Gilda".</span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">
Inolvidables también muchas escenas, entre las que destaca el juego de
personalidades lleno de simbología llevado a cabo en la Sala de los
Espejos, homenajeado con posterioridad por Woody Allen en "Misterioso
asesinato en Manhattan".</span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">
Orson Welles presentó con este título una película de audaz y brillante
ejecución, planteada en una época que estilísticamente le quedaba ya muy
antigua.
Por esa razón sus compatriotas contemporáneos no supieron apreciarle,
provocando en consecuencia un largo peregrinaje del escritor y
realizador por tierras europeas en busca de financiación para sus
próximos proyectos. </span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><i>Mientras hubo penumbra, Rita trasmitió
en seda la luz
material del sueño, porque fué Gilda.......y su canto, era también un canto de
las sirenas....Fugaz como todas ellas, pero brillando intensamente, porque nos
regaló la luz envuelta en seda.</i></span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"> </span></div>
<div style="font-family: Verdana,sans-serif; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">De su unión con el maestro Welles, deseo resaltar con
las imágenes que siguen, mi admiración por la transformación
que se hizo de ella en ese espléndido film que es LA DAMA DE SHANGAI, acertando
y calibrando sus enormes dotes de actriz, resaltando el atractivo de
una bellísima mujer, que a pesar de llevar el pelo corto y rubio, desprende un
diabólico atractivo, difícil de igualar. Los señores críticos de
cine, dijeron y siguen escribiendo que Welles quiso vengarse del mito
destrozando su imagen, nada mas lejos de la realidad, lo que hizo fué darle
tonalidad de oro y brillo de luna, ofreciéndonos a una mujer en pleno apogeo de su
belleza.......El genio de Orson ya era institucional en esta película que
recomiendo, y a pesar de haberse escrito mucho al respecto, mi opinión es que
Rita brilló de una forma especial. Orson era ya en la primavera de 1947, marido de Rita,
cuando rodó LA DAMA DE SHANGHAI, y conocedor de su esposa, la mujer, la
estrella y sobre todo de la actriz que había dentro, dirigió la
película y escribió los diálogos y nadie que conociese al matrimonio en
profundidad, le sorprendió aquel hermoso papel para el lucimiento de una mujer cuyas
interioridades eran para él un libro abierto. LA DAMA DE SHANGHAI es un fresco enorme, un ejercicio de cine total
que desvela el enigmático choque entre dicha y desdicha ocurrido en el
reencuentro ante las cámaras de dos leyendas del cine y que quedó
secretamente impreso en los destellos de la hermosa penumbra de las imágenes de
Rudolph Maté. Decir que estamos hablando de uno de los monumentos más
complicados de la historia del thriller es decir poco, porque con él recuperamos
también el lado confortador de una historia de infortunio, y en cierto modo la
intimidad nada convencional de dos seres nacidos para la
leyenda y el amor, mucho mas allá de lo que la propia palabra indica......Me siento
incapaz de verbalizar lo que Rita representó para mi en esa película,
lo que en imágenes el film arroja, y lo que condujo a Rita y a Orson
a expresar así su vida privada, con destellos discordantes.....
Destacaría de LA DAMA DE SHANGHAI, el encuentro del acuario, la metáfora de los
tiburones y la lucha en la sala de los espejos, donde Welles, con tiranía, pero
mucho amor, convirtió a la estrella en actriz, haciendo añicos los moldes en que
la habían encerrado los fabricantes de sueños....Siempre quise ver mas allá del
film, los motivos entonces los ignoré, ahora los entiendo perfectamente..." no hay
nada mas erótico que dejarse moldear por las manos del amor".</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Book Antiqua; font-size: small;"> </span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"> </span></span></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-62780752097230373142012-08-03T17:47:00.000+02:002012-08-03T17:47:23.076+02:00La fiera de mi niña<div class="separator" style="clear: both; color: white; text-align: justify;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_ls51amYsC81qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_ls51amYsC81qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
Nos encontramos ante uno de esos grandes clásicos de los que a todos nos
suena el nombre y que irremediablemente debería poner buena nota como
buen cinéfilo que pretendo ser. El tema es que sólo me resulta regular y
aquí trataré de exponer mis razones de la manera más simple posible:<br />
<br />
"La fiera de mi niña" es la típica comedia romántica de enredo en la que
todo se complica hasta niveles totalmente absurdos. Es de las primeras
que emplearon este sistema que a mí personalmente me suele defraudar, el
hecho de que se sucedan tantas "coincidencias" para que el absurdo se
siga manteniendo sólo me transmite que los guionistas tuvieron una sola
idea y que a su alrededor se pusieron todas las trampas necesarias para
que la idea no se rompiera. Además todas la comedias románticas que se
harían luego usarán la estructura de este filme, formando un género que
odio profundamente. <br />
<br />
"La fiera de mi niña" me hizo reír varias veces, pero una sucesión de
situaciones disparadas en la que el argumento se repartía entre caídas y
diálogos ingeniosos no fue suficiente como para decir que la película
me hizo gracia. Las caídas y tropiezos no hacen gracia desde hace años, y
los comentarios ingeniosos eran tan previsibles que yo mismo podría
haber escrito en guión. Podría usar alguna licencia para pasar por alto
esta falta de gracia por estar hecha en 1938, pero Chaplin y los
Hermanos Marx me han demostrado que en el sentido del humor no hay que
pasar ni una, que lo que hacía gracia hará gracia para siempre. <br />
<br />
"La fiera de mi niña" es en segundo plano también romántica, pero ni me
creo la historia de Cary Grant con su prometida, ni la de Hepburn ni
nada de lo que aparece relacionado con el amor. Con las posibilidades
que tenía la idea de romper con la monotonía y los clichés sociales de
la sociedad. Todo queda diluido en una solución de gags sin gracias y
evidentes. <br />
<br />
Viendo como la he puesto a caldo, os preguntaréis porque le he puesto un
4 y os diré que no es porque me tiemble la mano con el cine clásico
sino porque tiene algún gag realmente bueno, está elegantemente hecha y
en cierta forma encierra una crítica a lo estipulado.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-85160238648250723342012-08-03T17:45:00.000+02:002012-08-03T17:45:16.838+02:00Eva al desnudo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_ls70ooLIgr1qbuwpuo1_r1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_ls70ooLIgr1qbuwpuo1_r1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
Está demostrado. A los mejores actores/actrices, si además van cargados
de ambición y falta de escrúpulos, no les basta con los escenarios o las
cámaras para desplegar su talento interpretativo. Necesitan extender la
actuación al plano real para que la obra que es su vida de farándula
les salga redonda.<br />
Historia típica sobre trepas que las matan callando. O, más bien, las
matan hablando con lengua bífida e insidiosa. Parásitos y depredadores
con piel de oveja que se meten en el bolsillo de los incautos a golpe de
modestia fingida, de lagrimitas de circunstancias, de compasión que se
despierta con ojos de corderillo, de adulación sabiamente dosificada. Y,
como artífice de todas esas tretas, un cerebro brillante y calculador
hasta el escalofrío.<br />
La fama es un perfume extasiante con efectos narcóticos, es la luna que
muchos sueñan con alcanzar. Algunos estarán dispuestos a todo para
conquistarla, y no repararán en medios ni en engaños.<br />
Espectacular y abrumadora actuación de Bette Davis. La mejor de su
carrera. ¿Qué tenía esa mujer, que era capaz de merendarse la cámara y
la pantalla, y el escenario, y tomar un diálogo y conseguir que en sus
labios sonara sublime? ¿Qué especie de feroz atractivo felino rezumaba,
que sin ser guapa anulaba a cualquier belleza? Quizás fuera el fulgor de
esos ojos inteligentes, irónicos, fogosos y leoninos. Quizás fuera el
vigor de sus interpretaciones. Cualquier director que se preciara ciego
estaría si no se enamoraba (en un sentido profesional, aunque no
descartaría otros sentidos) de semejante talento, de tamaña sacudida
sísmica con aroma a fiera feminidad.<br />
Diálogos para el recuerdo, perla tras perla pronunciadas en tal
profusión que el oído no da abasto para asimilar tamaña sucesión de
frases imperecederas. Amargura, ironía, hipocresía, sinceridad, humor
mordiente y refrescante, pensamientos introspectivos expresados en voz
alta... Guión que supera con creces la excelencia.<br />
Enhorabuena a todos los intérpretes, pero sobre todo, como ya he
declarado, a mi admirada Bette y, siguiéndola de cerca en esa estela
esplendorosa, a Gary Merril, un partenaire a la altura.<br />
Moraleja: el brillo del oro ciega y adormece las conciencias. El
aplauso, el fervor del público hacia el artista. Una vida de película
entre algodones y bastidores. La fama llega a enaltecer hasta la
monstruosidad las más desmedidas ambiciones. <br />
Reflexiones fundamentales: la llegada a esa edad crítica para las
actrices. La entrada en la madurez, que les cierra puertas. La paranoia
que se siente ante la pérdida de la juventud, el temor a que jóvenes
promesas lleguen arrasando para reemplazar a las viejas glorias. Y el
modo en que es asumida esta etapa. Con miedo, con obcecación, con
conformidad, con lucidez... La madurez puede llegar a ser gratificante
si se acepta con dignidad.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-747623134907841772012-08-03T17:40:00.002+02:002012-08-03T17:40:36.367+02:00Casablanca<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_ls8wh2oJ8s1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_ls8wh2oJ8s1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
No tiene el montaje de El acorazado Potemkim</div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
<br />
No tiene la puesta en escena de Sed de mal.</div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
<br />
No tiene la iluminacion ni la atmósfera de las peliculas expresionistas como El gabinete del el dr. Caligari.<br />
No hace el uso del encuadre ni de la profundidad de campo que se hace en Ciudadano Kane.</div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
<br />
No nos cuenta una historia que hace llorar a nuestras entrañas, como Umberto D., y el resto de obras maestras del neorrealismo.<br />
<br />
Y sin embargo, la considero la mejor pelicula de la historia, por encima
de todas ellas. Como esto es una crítica personal, comprendo que haya
gente que no tenga la misma opinión, porque el cine tiene tantas
concepciones como personas que disfrutan de él.<br />
<br />
Para mi Casablanca es la pelícual gracias a la cual me introduje en el
cine clásico; la primera que vi, y la mejor. Desde entonces no he vista
nada mejor, sin duda alguna. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br style="color: white;" /><span style="color: white;">
La acidez de los diálogos, sobre todo todas y cada una de las palabras
que salen de la boca de Rick, son impresionantes. Nunca se ha visto un
personaje tan irónico en la pantalla; su sarcasmo es abrumador.</span><br style="color: white;" />
<br style="color: white;" /><span style="color: white;">
La química entre los actores, es increible, aunque en otras críticas se
diga lo contrario. ¿Cómo actuariamos nosotros en el lugar de los
protagonistas si vivieramos la misma situación? La cara y la mueca de
Rick cuando ve a Ilsa por primera vez en su bar, es fantasmal.
Magistrales actuaciones de todos los personajes. El ambiente del bar,
inmejorable: ojala pueda alguna vez estar en un bar como ese.</span><br style="color: white;" />
<br style="color: white;" /><span style="color: white;">
En cuanto al guión, puede que fuera medio improvisado, pero tal vez ahi
resida su grandeza; nunca una película dejo tantas frases y situaciones
para la posteridad: Tengo amigos a los que no les gusta el cien que las
conocen sin saber que esas joyas nacieron de la mano Rick Blaine y
compañia.</span><br style="color: white;" />
<br style="color: white;" /><span style="color: white;">
Y el final es exactamente el que tiene que ser para que la película sea
perfecta: o es que la gente espera un final como el de las cientos de
comedias románticas que se hacen hoy en dia? Pues no señores, este es un
final como la copa de un pino; si no le gusta a alguno, a lo mejor es
porque esta tan acostumbrado a ver que las cosas acaban siempre de la
misma forma, que es incapaz d apreciar nada mas.</span><br />
</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-2875023528098822562012-08-03T17:35:00.002+02:002012-08-03T17:37:19.433+02:00Luna nueva<div class="separator" style="background-color: black; clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lsap7fDvYL1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lsap7fDvYL1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="background-color: black; color: white; text-align: justify;">
Uno de los clichés más actuales en la búsqueda de respuestas a la
degradación moral de nuestra sociedad se basa en la, supuestamente
novedosa, bajeza ética de los medios de comunicación. Parece ser que la
manipulación, la mentira y el sensacionalismo son un invento actual y
que, como pasa cuando se habla alegremente de cine, cualquier tiempo
pasado fue mejor.</div>
<div style="background-color: black; color: white; text-align: justify;">
<br />
Precisamente, como si fuera un desmentido del pasado, se nos presenta
Luna nueva, una alegoría contra el cinismo periodístico, envuelto en el
disfraz de inocente Screwball comedy y que viene a demostrar que de
aquellos polvos vinieron estos lodos.<br />
<br />
Para elaborar este discurso no se anda con rodeos, introduciéndonos en
una redacción mediante un travelling lateral que permite, por un lado,
mostrarnos el ambiente de stress laboral y, por otro, contagiarnos del
ritmo vertiginoso que impregnará todo el metraje. <br />
<br />
La presentación de los personajes también es franca y directa, con un
par de frases conocemos la situación, carácter y objetivos de los
protagonistas. Un Cary Grant que podría ser un claro precedente de
Pedro J. Ramírez y que mediante una actuación histriónica, por momentos
cargante y sin embargo adecuada, aparece como un ser sin escrúpulos,
cínico, manipulador y que hace suya esa máxima de no dejar que la
realidad le estropeé una buena noticia. En contrapartida aparece
Rosalind Russell, personificando a una mujer moderna e independiente,
pero cuyo encuentro con su ex marido la sume en un amplio debate interno
sobre qué camino tomar. No podía faltar el tercero en discordia, un
Ralph Bellamy que, con su papel de hombre decente, serio y aburrido,
parece más destinado a que simpaticemos con Cary Grant por
contraposición que a tener un peso específico por si solo.<br />
<br />
En lo referente a la construcción de personajes se hace palpable el mimo
con que Hawks trata a la protagonista, otorgándole la mayor profundidad
psicológica. En ella reconocemos una visión de la mujer como sujeto
activo de la trama, convirtiendo el proceso habitual de cosificación de
la mujer como mero adorno o elemento distorsionador en su inverso. Para
ello, el director utiliza dos procesos diferentes. Por un lado el modo
en cómo la filma, situándola siempre en una posición superior a la del
resto del elenco masculino, lo que la convierte en una especie de icono
respetado y a la vez temido. Por otro le confiere una personalidad
inteligente, sí, pero también agresiva, masculinizada, dando a entender
que éste es el único medio de hacerse respetar en un mundo
prominentemente masculino y evidentemente machista.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-13117192438780027102012-08-03T17:33:00.000+02:002012-08-03T17:33:02.192+02:00Encadenados<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lscsg3PshD1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lscsg3PshD1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
Noveno film de la etapa americana de Hitchcock. Escrito por el
acreditado Ben Hecht, se rueda en exteriores de Beverly Hills, LA, Miami
y Río de Janeiro y en plató, con un presupuesto estimado de 2 M
dólares. Es nominado a 2 Oscar (guión y actor reparto). Producido por
Hitchcock, se estrena el 6-IX-1946 (EEUU).<br />
<br />
La acción tiene lugar en Miami (Florida) y Río de Janeiro (Brasil), a lo
largo de unos pocos meses, a partir de abril de 1946. T.R. Devlin (Cary
Grant) es un agente secreto americano que contacta con Alicia Hubermann
(Ingrid Bergman), hija de un colaborador nazi condenado a prisión, con
el propósito de reclutarla para que espie a Alexander Sebastian (Claude
Rains), jefe de un tenebroso grupo nazi.<br />
<br />
El film es un thriller de espionaje, un drama romántico, un drama
psicológico y una intriga criminal. Se rueda tras la IIGM y antes de la
eclosión de la Guerra Fría, por lo que los criminales son nazis
establecidos en América. Los personajes están bien construidos y tienen
profundidad, las incidencias del relato están narradas con fluidez,
eficacia y sutilidad, los diálogos son memorables y la atmósfera es
densa e inquietante. Como es habitual en él, Hitchcock apura las
situaciones de peligro, crea tensión con efectividad y elegancia y sus
personajes son de moral ambigua: suman inocencia y culpabilidad,
sinceridad y engaño, generosidad y codicia, amor y venganza. Se presta
especial atención a detalles visuales, que dicen más cosas de lo que
parece a primera vista. Las llaves y la taza de café devienen símbolos
de suspense, la botella que el camarero sirve por error y retira exalta
el misterio, la presencia de Alex entre una fotografía de sobremesa y el
reflejo de su imagen en un espejo habla de su condición de persona
vulnerable y dominada, el alka-seltzer explica sin palabras el estado de
Alicia tras una noche de alcohol. El uso de la cámara subjetiva
(conversación en el dormitorio) subraya el apasionado enamoramiento de
ella. El vestuario, diseñado por Edith Head, también hace las veces de
vehículo de expresión visual: revela el interés del realizador por la
elegancia, la belleza y la pulsación del deseo. Entre muchas, son
destacables dos escenas: el beso mientras andan y hablan (el más largo
en cine hasta entonces) y el movimiento de grúa desde el plano general
superior de una sala de invitados hasta el primer plano de una mano con
una llave. Woddy Allen en "Scoop" rinde homenaje de simpatía a la escena
de la la bodega del sótano.<br />
<br />
La música, de Roy Webb ("Retorno al pasado"), hilvana pasajes cálidos y
románticos con otros fríos y ásperos, en el seno de una partitura
efectiva y vibrante. Añade valses vieneses y una samba brasileña como
motivos de baile. La fotografía, de Ted Tetzlaff, hace uso de tomas
largas, encuadres de detalle, planos picados y primeros planos de
excelente factura y de gran fuerza expresiva. Interpretaciones
impecables de Grant, Bergman y C. Rains. Magnífica secuencia final, en
la que intervienen 7 personajes.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-67783139594898662092012-08-03T17:29:00.000+02:002012-08-03T17:29:14.890+02:00Lo que el viento se llevó<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lsef4r1jZx1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lsef4r1jZx1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
Superproducción de David O. Selznick, que interviene en ella como
impulsor, organizador, controlador, máximo ejecutivo y autor. La
dirección corre a cargo de William Cameron Menzies (autor del “story
borrad”), George Cukor, Sam Wood y Victor Fleming, que es el único
acreditado. Sidney Howard escribe el guión con la colaboración con Val
Lewton, Francis Scott Fitzgerald, Ben Hetch, Oliver H. P. Garret, Jo
Swerling y John Van Drutten. Adapta la novela “Gone With The Wind”
(1936), única obra de Margaret Mitchell, premio Pulitzer (1937). Se
rueda entre el 26/I y el 1/VI de 1939 en escenarios naturales de
California y Georgia y en los platós de 4 estudios: Backet-Selznick Int.
Studios (Culver City), MGM Studios (Culver City), RKO Studios
(Hollywood) y UA Studios (Hollywood), con un presupuesto de 4,25 M
dólares. Nominada a 13 Oscar, gana 8, a los que se añaden 2 honoríficos
(uno por las innovaciones técnicas y otro por los resultados en el uso
del color). Producido por David O. Selznick para Selznick Pictures y
MGM, se proyecta en preestreno el 15-XII-1939 (Gran Teatro Loew,
Atlanta).<br />
<br />
La acción dramática tiene lugar en las fincas “Tara” y “Los doce robles”
(Georgia), Atlanta y Nueva Orleans (Luisiana). La acción abarca los 12
años comprendidos entre IV/1861 y finales de 1873. Escarlata (Leigh),
hija de Gerald O’Hara (Mitchell) y Ellen (O’Neil), de 16 años en 1861,
enamorada de su primo Ashley Wilkes (Howard), se casa por despecho con
Charles Hamilton (Brooks), que muere en la guerra. Ashley se casa con
Malenia Hamilton (Havilland), la mejor amiga de Escarlata. Cuenta
siempre con el apoyo y los servicios de su antigua nodriza, Mami
(McDaniel), que la aconseja y reprende.<br />
<br />
De carácter fuerte, independiente y vitalista, Escarlata vive un amor
turbulento con un hombre mujeriego, ambicioso y egoísta, Rhett Butler
(Gable). Es atractiva, caprichosa, seductora, jovial y encantadora.
Siente pasión por la vida, ama la tierra y tiene gran aptitud para los
negocios. Ama la independencia y le gusta dominar las situaciones que la
afectan. Rhett es arrogante, vividor, aventurero, ambicioso y egoísta.
Melania es bondadosa, comprensiva, dulce y afectuosa. Mami dice lo que
piensa con respeto y desenvoltura.<br />
<br />
El film suma drama, romance, aventura y guerra. Se caracteriza por su
orientación comercial (Selznick lo concibe como medio para aprovechar
importantes oportunidades de negocio), la impersonalidad de su estilo
(no lleva la huella personal de ningún realizador), la afición a la
suntuosidad (impronta de Selznick), su sentido acrítico (los esclavos
son felices y fieles) y su visión ingenua del Ku-Klux-Klan (asociación
heroica condenada al fracaso). De la guerra da una visión descarnada y
trágica.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-38428304230175832482012-08-03T17:27:00.000+02:002012-08-03T17:27:11.222+02:00Con faldas y a lo loco<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsfwpzLN0l1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsfwpzLN0l1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; text-align: justify;">
Film nº 16 de Billy Wilder. Escriben el guión B. Wilder e Izzi A.L.
Diamond. Se basa en el film alemán "Fanfarria de amor" (1951), escrito
por Robert Thoeren y Michael Logan y dirigido por Kurt Hoffman. Se rueda
en exteriores y escenarios reales de Coronado Beach y Hotel Coronado
(LA) y en los platós de MGM Studios (Culver City) y Samuel
Goldwyn/Warner Studios (Hollywood), con un presupuesto de 2,8 M dólares.
Nominado a 6 Oscar, gana uno (vestuario). Producido por Wilder, se
estrena el 29-III-1959 (EEUU).<br />
<br />
La acción tiene lugar en Chicago (Illinois), Miami (Florida) y en el
trayecto en tren entre ambas localidades, en 1929. Dos músicos de poca
monta, Joe (Curtis) y Jerry (Lemmon), testigos involuntarios de la
masacre del día de San Valentín (14-II-1929), se ven obligados a
vestirse de mujer para poder optar al único trabajo que encuentran, el
de saxofonista y contrabajista de una orquesta de señoritas, de la que
forma parte como vocalista la guapa Sugar Kane (Marilyn).<br />
<br />
El film es una gloriosa comedia, que suma elementos de farsa, crimen,
música y romance. Considerada por algunos como la mejor comedia
cinematográfica de todos los tiempos, es para muchos una de los mejores
films americanos del género de la comedia. En todo caso se trata de una
comedia inspirada, ocurrente, graciosa y divertidísima. Hace uso de
parodias eficaces (cine de gángsters, Cary Grant...), farsas sin
acritud, juegos de falsas identidades, confusiones de género, disfraces,
peripecias y situaciones desternillantes, desventuras (pérdida del
abrigo la víspera de un día de nieve), persecuciones alocadas, escenas
ambiguas de un potente erotismo, atrevidos simbolismos sexuales
disimulados para evitar problemas con la censura, lances de humor negro,
malentendidos, paradojas (el calvario de dos hombres acalorados metidos
entre señoritas sensacionales), etc.<br />
<br />
El guión contiene diálogos brillantes, personajes bien definidos, una
narración ágil y fluida y una historia oportuna. Las interpretaciones de
Lemmon y Curtis son excelentes y la de Marilyn es sensacional (combina
justamente inocencia, malicia y fragilidad). Ésta es posiblemente la
mejor interpretación de Marilyn. La acción se desarrolla a un ritmo
vertiginoso. Se incluyen referencias melómanas de la época (Rudy Vallee)
y cinéfilas (Rodolfo Valentino). Incorpora constantes de Wilder: coches
a la carrera, persecuciones de coches, disfraces, puros, encendedores.
Ésta es la primera colaboración de Lemmon con Wilder y la segunda de
Wilder con el guionista Diamond. Rinde homenaje a la escena del camarote
de los Hermanos Marx ("Una noche en la Ópera").<br />
<br />
La música, de Adolph Deutsch, ofrece cortes frestivos y bulliciosos, de
entre los que destacan "Play It Again, Charlie" y "Tell The Whole Darn
World". Añade 3 canciones a cargo de Marilyn y una versión instrumental
de "La cumparsita". La fotografía, de Charles Lang, en B/N, subraya la
ambientación de época y crea agudos lances de humor visual. La escena
final es antológica.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-91069703306108829982012-08-03T17:24:00.000+02:002012-08-03T17:24:23.600+02:00Historias de Filadelfia<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsi85w0MZP1qbuwpuo1_r1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsi85w0MZP1qbuwpuo1_r1_500.gif" width="532" /></a></div>
<br />
<div style="color: white; text-align: justify;">
Realizada por George Cukor, se basa en la comedia "The Philadelphia
Story", estrenada en Broadway en marzo de 1939, escrita por Philip Barry
e interpretada por K. Hepburn. Fue adaptada por Donald Odgen Stewart.
Se rodó en los MGM Studios (CA) durante 8 semanas. Nominada a 6 Oscar,
obtuvo 2 (guión adaptado y actor-J. Stewart). Producida por Joseph L.
Mankiewicz, se estrenó el 1-XII-1940 (EEUU).<br />
<br />
La acción tiene lupar en una mansión señoral de Filadelpia
(Pensilvania), en 1939, durante 24 horas. Narra la historia de Tracy
Lord (Katharine Hepburn), hija de una familia acaudalada, muy conocida
en la ciudad, divorciada de C.K. Dexter Haven (Cary Grant). Es de
temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después
del divorcio está a punto de contraer matrimonio con George Kittredge
(John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre.<br />
<br />
La película es una comedia romántica, que incluye enredos, lucha de
sexos y crítica social. Comienza con una escena retrosprectiva que
explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un
palo de golf de Dexter y éste, irritado, asiéndola con la mano en la
cara la hace caer al suelo. La escena deja planteadas las líneas en las
que se basa el film: el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las
ansias de desquite de Dexter. Éste, en connivencia con una revista
sesacionalista del corazón ("Spy"), monta una mascarada que permite el
acceso a la casa de los Lord, el día antes de la boda, de un periodista,
Macauley "Mike" Connor (James stewart), y de una reportera gráfica,
Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey). Tracy se ve enfrentada a una
inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del
que no está enamorada, un admirador entrañable y un exmarido que la
irrita con sus desaires. En realidad, Tracy se enfrenta a otro problema:
la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener
sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano, o seguir igual.
El proceso de reflexión y decisión es complejo por falta de tiempo,
inclinaciones personales arraigadas y la guerra de sexos que mantiene
con varios hombres. La trama y la subtrama (el lío escandaloso del padre
con una jovencita y la amenaza de su publicación) son conducidas por el
realizador con delicadeza, gracia e ingenio.<br />
<br />
La música, excelente, incluye una partitura de Franz Wazman de 3
movimientos: "Main Title", "MGM Fanfarria" y"The True Love". Añade 2
canciones ajenas ("Lydia, The Tattooed Lady" y "Over The Rainbow") y la
marcha nupcial de Mendelssohn. La fotografía sobresale por su magnífico
dibujo y el manejo del color (claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos
intensos, brillos, etc.). El guión está hecho a la medida de Hepburn.
La interpretación de Hepburn es espléndida, en su cuarta colaboración
con Grant. La dirección impone elegancia, sutileza y un fino sentido del
humor.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-82298232171063461562012-08-03T17:20:00.002+02:002012-08-03T17:21:08.156+02:00Ella, él y Asta<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsjzwfF3uV1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lsjzwfF3uV1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
Segunda incursión de van Dyke
en las peripecias de ese peculiar matrimonio ideado por Hammett que
componen Nick Charles y su esposa, la considerablemente rica y
sofisticada Nora. El enorme éxito de crítica y público que había
cosechado su predecesora ("The thin man", 1935) tuvo como consecuencia
numerosas continuaciones, las cuales, con mayor o menor fortuna,
mantuvieron siempre una considerable calidad.<br />
<br />
La base de estas películas, motivo de su aceptación generalizada, es la
afortunada mezcla de géneros que consiguen, siendo modelos tempranos de
futuras comedias detectivescas o policiacas, si bien en contados casos
han alcanzado el nivel de las aquí comentadas. Mientras que en las
novelas de Hammett la magia surgía del choque de caracteres y mundos que
encarnaban Nick y Nora (desarrollando una ironía más amarga, menos
cómica), en los filmes se optó por adoptar un tono ligero, siempre
humorístico y desmitificador, directamente tomado de las "screwball
comedies", en auge durante los años treinta.<br />
<br />
Así, lo que menos importa es la trama policiaca, generalmente
enrevesada, desconcertante y no pocas veces incongruente, ya que lo que
se persigue es, fundamentalmente, lucir el humor que desprende la pareja
protagonista, bien auxiliada por su perro y por una amplia galería de
personajes y situaciones, que ocupan su siempre ajetreada y desordenada
vida social. Por tanto se trata de una película coral, en la que
interpretaciones y guión resultan fundamentales, siendo ambos apartados
tan brillantes o más que en la entrega precedente (la inesperada fiesta
del comienzo y la reunión familiar contienen gags muy buenos), con una
química perfecta en la pareja protagonista y unos diálogos estupendos. A
ello contribuyó el mantenimiento del mismo equipo que había trabajado
en "The thin man", con la única y lamentable excepción del director de
fotografía, que había sido el gran James Wong Howe, al que sí se le echa
de menos.<br />
<br />
En conjunto, un filme sumamente fresco y divertido que explota y en
ocasiones mejora una fórmula ya ensayada, y que tiene en la agilidad e
ironía del guión y en el trabajo del reparto -con un joven James
Stewart- sus mejores bazas.</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-9204725186958419632012-08-03T17:15:00.000+02:002012-08-03T17:15:12.587+02:00Tú y yo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lslu8wNcvz1qbuwpuo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lslu8wNcvz1qbuwpuo1_500.gif" width="532" /></a></div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
Leo McCarey, tras el éxito
obtenido con la versión de 1939 a partir del argumento ideado por él
mismo y Mildred Cram, en la que contó con Charles Boyer e Irene Dunne en
un rodaje en blanco y negro, dieciocho años después se le ocurrió
volver a dar vida al bello romance entre Nicolo Ferrante y Terry McKay,
materializándolos esta ven en dos magníficos que coparon los puestos
principales de las estrellas de Hollywood a mediados del siglo veinte:
Cary Grant y Deborah Kerr. Del blanco y negro al color, de la década de
los treinta a la de los cincuenta, y la sensible diferencia entre dos
parejas de actores que transfirieron dos matices únicos a una historia
de amor tintineante de chispa y de ternura.</div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
<br />
Un romance de ésos de los años dorados de Hollywood, de los que surgen
en mitad de un ambiente idílico y en las circunstancias menos propicias,
en el que dos extraños pegan la hebra y repentinamente parecen hechos
el uno para el otro… Las conversaciones brotan en torrente, con suma
facilidad, las bromas se alternan, los comentarios ocurrentes salen de
los labios casi sin pensar… Y sin decir nada importante, se lo están
diciendo todo devorándose los ojos o con esos gestos que, menos
comedidos que las palabras, delatan los sentimientos. Es una química
inexplicable, difícil de expresar en palabras incluso después de
milenios y milenios uniendo a personas con esos lazos que al instante te
hacen ver que estás ante alguien que te hace sentir realmente bien.
¿Por qué el corazón te late más deprisa cuando estás con él o ella, y no
te pasa eso con otros? ¿Por qué te entran esos nervios? ¿Por qué cuando
estás en su compañía no quieres que el tiempo pase, y cuando no está
contigo, deseas hacer girar más deprisa las agujas del reloj? ¿Qué más
da que ya tengas un compromiso matrimonial con otra persona que te
espera cuando el barco arribe a puerto? Aunque te sientas culpable por
ello, en el fondo sabes que es así. Tu corazón te empuja hacia ese ser
maravilloso que has conocido a bordo, en un crucero que, por más que el
mundo se empeñe en negarlo, fue planeado por los hados exclusivamente
para vuestro encuentro.</div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
<br />
Pero aún no es el momento… Hay explicaciones que dar a terceras
personas, hay que prepararse para las eventualidades futuras… Muchas
cosas han dado un giro.</div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
<br />
Seis meses será el plazo para aclararse y arrojarse definitivamente
desde el trampolín. El Empire State Building será el cómplice y testigo
de su unión<i>.</i></div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
</div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
<i> </i>Una
encantadora comedia dramática y romántica dulce, divertida y triste,
con un Cary Grant tan irresistible como acostumbra y una Deborah Kerr
deslumbrante y adorable, ambos aportando ese puntito cómico con sus
atrayentes diálogos salpicados de golpes de humor, y que son, junto con
la idílica y cálida fotografía en color de tonos saturados, vivos y
atractivos para la vista, y la suave música (destacando las canciones
interpretadas por la propia Deborah y por los niños del coro), los
elementos clave que convierten lo que podía haber sido una comedieta
amorosa corriente, en un regalo muy especial que primorosamente nos
tendió Leo McCarey, y con el que yo me siento orgullosa de contar en mi
videoteca.</div>
<div id="text36194634" style="padding: 4px; text-align: justify;">
</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-60329528780966546322012-08-03T17:01:00.000+02:002012-08-03T17:01:07.540+02:00Romeo y Julieta (1936)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lzi1prwIyo1qbuwpuo2_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="326" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lzi1prwIyo1qbuwpuo2_250.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Adaptación de la inmortal obra de William Shakespeare sobre el romance
de dos jóvenes que se enamoran a pesar de las desavenencias de sus
respectivas familias. Llama la atención la elección de Cukor de dos
actores maduros (Leslie Howard contaba con 43 años de edad y Norma
Shearer con 34) para los papeles principales.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lzi1prwIyo1qbuwpuo1_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="326" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_lzi1prwIyo1qbuwpuo1_250.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline" width="100%"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>Romeo & Juliet</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1936 </td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=George+Cukor">George Cukor</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>Talbot Jennings (Obra: William Shakespeare)</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Herbert Stothart</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>William H. Daniels (AKA William Daniels) (B&W)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Leslie+Howard">Leslie Howard</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Norma+Shearer"> Norma Shearer</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=John+Barrymore"> John Barrymore</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Edna+May+Oliver"> Edna May Oliver</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Basil+Rathbone"> Basil Rathbone</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=C.+Aubrey+Smith"> C. Aubrey Smith</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Andy+Devine"> Andy Devine</a></td>
</tr>
<tr>
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Metro-Goldwyn-Mayer</td>
</tr>
<tr>
<th>PREMIOS</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/awards.php?award_id=academy_awards&year=1937">1936</a>: 4 nominaciones al Oscar: Actriz (Shearer), película, direcc. artíst. actor sec. (Rathbone)</td></tr>
</tbody></table>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-48472849712753277982012-08-03T13:07:00.000+02:002012-08-03T13:07:01.752+02:00El capitán Blood<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m3knf2nuTj1r8be83o1_250.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="299" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m3knf2nuTj1r8be83o1_250.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Para Errol Flynn ésta fue la primera intervención en una película
norteamericana y el comienzo de una carrera fulgurante. La pareja Flynn y
Havilland protagonizó más de seis películas en los años siguientes.<br />
<br />
La historia se basa en la obra homónima de Rafel Sabatini, autor de
numerosas novelas de aventuras, muchas de ellas llevadas al cine, como
"Scaramouche", "El halcón de mar" y "El cisne negro". La película es una
deliciosa fábula que narra las aventuras y desventuras del médico Peter
Blood, injustamente arrestado, juzgado sin defensa, condenado a muerte
y, finalmente, enviado como esclavo a Port Royal. Logra huir con los
suyos, se apodera de un velero español y emprende una vida de piratería
en aguas del Caribe. El film constituye una epopeya que exalta la triple
lucha colectiva contra la esclavitud, por la libertad y por la
justicia. Además, Blood encarna la figura señera del líder justo con los
suyos, generoso con muchos y caballeroso con todos.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m3knf2nuTj1r8be83o2_250.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="299" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m3knf2nuTj1r8be83o2_250.gif" width="400" /></a>La obra incluye complejas escenas de acción y de lucha, para las que se
utilizan escenarios de estudio, diseñados con escasos medios, que
realzan la fuerza de la acción. Algunas de sus escenas son memorables,
como la de la lucha a espada, a orillas del mar, entre Flynn y Rathbone,
similar a la que ellos mismos protagonizarán años más tarde en "Robin
Hood".<br />
<br />
La banda sonora incorpora una música brillante y muy apropiada. La
fotografía se sirve de numerosos primeros planos que resaltan la emoción
de las escenas románticas y la tensión entre la justicia y el abuso de
poder. El guión incluye numerosos pasajes irónicos y cómicos que llevan
sonrisa y risas al ánimo del espectador.<br />
<br />
Es incorrecta la referencia a la bandera española "de oro y carmesí",
que es una creación del XVIII. En cambio es correcta la referencia a la
bandera francesa (blanca con flores de lis).<br />
<br />
La obra resulta un exponente destacado del buen cine clásico de los años
treinta. Es, además, una película de aventuras excelente.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m0acp0K0uL1qe5c01o2_250.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="256" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m0acp0K0uL1qe5c01o2_250.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El hasta entonces desconocido Errol Flynn debutaba en un papel
protagonista, destinado en un principio para Robert Donat, en este
arrollador y entretenidísimo tebeo de aventuras, que ha pervivido como
una de las cumbres del cine de piratas y con el cual iniciaba, además su
larga y fructífera asociación con Michael Curtiz (con quien, al
parecer, se llevaba a matar), Olivia de Havilland (una de las pocas
mujeres de Hollywood, curiosamente, que no acabaron en uno de los muchos
catres de su lujuriosa mansión) y Basil Rathbone, uno de los más
memorables y definitivos villanos de la historia del cine y el mejor de
los Sherlock Holmes habidos y por haber.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
No es una lección de historia, quien desee información verídica y fiable acerca
de aquella época deberá huir de esta peli como si fuera la peste
bubónica y buscar refugio en la biblioteca más cercana o en las miles de
páginas web que bucean con rigor y seriedad en este tema. Si lo que
buscáis, en cambio, es un estupendo espectáculo de la Edad Dorada de
Hollywood, con sus abordajes y sus humeantes cañones y sus batallas a
sable, hacha o pistola, sus gobernadores ineptos y sus malvados
terratenientes, sus irresistibles capitanes piratas y sus juergas
bañadas en ron y mujeres y tonadas beodas y sus duelos frente al mar por
el amor de una dama, y todo ello rodado con un nervio narrativo y un
dominio del ritmo ya desaparecidos y sin la ayuda de ningún maldito
ordenador, no lo dudéis, esta es vuestra peli. Sed honestos, no vayáis a
pedirles a Curtiz, Flynn y compañía cosas que no pueden daros y
pedidles lo que sabían hacer como nadie, relajaos, olvidaos del resto
del mundo y dejad, simplemente, que durante dos horas os devuelvan a la
infancia y que pongan, como decía el propio Errol Flynn, una pizca de
sal en este nuestro aburrido mundo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m0acp0K0uL1qe5c01o5_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="409" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m0acp0K0uL1qe5c01o5_250.gif" width="640" /></a></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline" width="100%"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>Captain Blood</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1935 </td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Michael+Curtiz">Michael Curtiz</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>Casey Robinson</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Erich Wolfgang Korngold</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>Hal Mohr & Ernest Haller (B&W)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Errol+Flynn">Errol Flynn</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Olivia+de+Havilland"> Olivia de Havilland</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Lionel+Atwill"> Lionel Atwill</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Basil+Rathbone"> Basil Rathbone</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Ross+Alexander"> Ross Alexander</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Guy+Kibbee"> Guy Kibbee</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Henry+Stephenson"> Henry Stephenson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Robert+Barrat"> Robert Barrat</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Hobart+Cavanaugh"> Hobart Cavanaugh</a></td>
</tr>
<tr>
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Warner Bros. Pictures / Cosmopolitan Production</td>
</tr>
<tr>
<th>PREMIOS</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/awards.php?award_id=academy_awards&year=1936">1935</a>: 5 nominaciones al Oscar: película, director, guión original, bso y sonido</td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>SINOPSIS</th>
<td style="text-align: justify;">Inglaterra, siglo XVII. Bajo el reinado de Jacobo I, primer
monarca de la dinastía de los Estuardo, son constantes los
enfrentamientos entre la Corona y el Parlamento. El doctor Peter Blood,
un hombre entregado por entero a sus pacientes, vive al margen de los
problemas políticos. Pero su actitud cambia cuando, injustamente acusado
de traición, es enviado como esclavo a las Indias Occidentales. Dotado
de una gran habilidad y astucia, consigue escapar y se convierte en el
temible pirata Capitán Blood. </td>
</tr>
<tr>
<th>CRÍTICAS</th>
<td style="text-align: justify;">
----------------------------------------<br /> La arrasadora energía de Errol Flynn
-encabezando un reparto insuperable-, las trepidantes escenas de acción y
una gran banda sonora, todo ello bajo la magistral batuta de Michael
Curtiz, dieron como resultado un clásico del cine de aventuras y, quizá,
el mejor film de piratas de la historia del cine. ----------------------------------------</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-74757377919032467222012-08-03T10:33:00.001+02:002012-08-03T17:25:12.065+02:00Dean Martin y Jerry Lewis<a href="http://picasion.com/"><img alt="http://picasion.com" border="0" height="533" src="http://i.picasion.com/pic56/9e7e22d347861ff15a7f1ba96a712498.gif" width="400" /></a><br />
<div style="color: yellow; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><b>¡Qué par de golfantes! es una <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Comedia" title="Comedia">comedia</a> <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Musical" title="Musical">musical</a>, ambientada en el mundo del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Golf" title="Golf">golf</a>, protagonizada por Jerry Lewis y Dean Martin. Dicha expresión es la que mejor se ajusta a la parej.</b></span></div>
<div style="color: yellow; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><b><br /></b></span></div>
<div style="color: yellow; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><b>Jerry Lewis y Dean Martin interpretaron la mayor parte de las canciones de la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Pel%C3%ADcula" title="Película">película</a> tanto las originalmente compuestas para la misma, como las adaptadas:</b></span></div>
<ul style="color: yellow; text-align: justify;">
<li><span style="font-size: small;"><b><i>It's a Whistle-in' Kinda Mornin</i> (Martin).</b></span></li>
<li><span style="font-size: small;"><b><i>It Takes a Lot of Little Likes to Make (One Big Love)</i> (Martin y Lewis). *<i>That's Amore (That's Love)</i> (Martin y Lewis).</b></span></li>
<li><span style="font-size: small;"><b><i>The Gay Continental</i> (Lewis).</b></span></li>
<li><span style="font-size: small;"><b><i>What Wouldcha Do Without Me?</i> (Martin y Lewis).</b></span></li>
<li><span style="font-size: small;"><b><i>You're The Right One</i> (Martin).</b></span></li>
</ul>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: yellow; font-size: small;"><b>Existe un blog dedicados a ambos que es una maravilla</b></span><span style="font-size: small;"><b><span style="color: red;"> </span><a href="http://martinandlewis.blogspot.com.es/" style="color: red;">DEAN MARTIN & JERRY LEWIS (entra y visítalo)</a></b></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><b> <span style="color: red;"> </span></b></span></div>
<div style="color: yellow;">
</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-58494425950753225602012-07-21T12:19:00.001+02:002012-07-21T12:19:11.616+02:00La momia (1932)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o1_r1_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="516" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o1_r1_250.gif" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o3_500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Antes de que Rick O'Connell despertara la ira del temible sacerdote
egipcio Im-Ho-Tep, el gran y polifacético Boris Karloff lo encarnó
(nunca mejor dicho) en una de las superproducciones de la Universal de
los años 30. Y es que todo en esta primera película de la momia tiene
cierto eco en la versión de Stephen Sommers. Toda la historia de
Im-Ho-Tep es calcada de esta versión, su amor por Anck-Su-Nammun y su
plan de traerla de nuevo a la vida usando a la protagonista femenina de
la cinta. Tres exploradores intentarán impedirlo.<br />
<br />
La película comienza con una inscripción egipcia en tintes blancos y
negros, y tras un pequeño prólogo en que obtenemos la única visión de la
momia como tal despertando, nos trasladamos a varios años después, en
que ésta ya ha adquirido el cuerpo de Karloff. La inquietante y
siniestra atmósfera que cubre toda la cinta se beneficia de la falta de
color y permite al director crear una película de aventuras y a la vez
de suspense.<br />
<br />
El uso de los efectos especiales, aunque parco (comprensible por la
época), consigue unos correctos resultados. El maquillaje de Karloff
hace que nos creamos que realmente es la momia, y los flashback a los
que la cinta recurre para contar a la futura prometida de la momia su
historia (escena vista en "El Regreso de la Momia", con algunos
cambios), se integran perfectamente en el conjunto.<br />
<br />
En definitiva, otra gran aventura de la Universal, de esas que permitían
a los espectadores soñar y viajar a mundos lejanos, cuando el cine
apenas comenzaba a dar sus primeros pasos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o2_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="517" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o2_250.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Entre La Momia de 1932 y las múltiples y distintas versiones actuales
hay muchas diferencias pero una de ellas es fundamental y se llama Boris
Karloff. Karloff es al género del terror lo mismo que Bogart al del
cine negro o Hitchcock al suspense. Hubieron otros, es cierto, Bela
Lugosi, Vincent Price, Lon Chaney, Christopher Lee o Peter Cushing pero
Karloff es el terror por excelencia. Hasta el punto que, ya madurito,
interpretó junto a Jack Nicholson la película de Corman titulada,
precisamente, El terror.<br />
<br />
Claro que, en esto del terror las películas envejecen demasiado deprisa,
tan deprisa como lo hacemos nosotros porque lo que fueron pesadillas de
nuestros años infantiles ( y hablo de mucho después del 32) hoy se han
descafeinado hasta límites capaces de provocarnos más de una sonrisa.
Muchas películas o series de TV dedicadas al público infantil-juvenil
desarrollan más malestar ó desazón que aquellas un tanto “inocuas”
lecturas de Poe o Lovecraft que nos hacían arrebujarnos bajo las
sábanas.<br />
<br />
Por ello debemos ser comprensivos con este tipo de películas y no
valorarlas por los efectos inmediatos sobre nuestra salud mental (miedo,
desasosiego, aprensión, etc.) sino por sus propuestas visuales, por su
coherencia argumental y por el grado de interés que consiguen mantener
en el espectador. Y en ese sentido La Momia es un film excelentemente
realizado que consigue atrapar nuestra atención con su mezcolanza de
thriller y exotismo, con la interpretación soberbia de Boris Karloff y
con unos efectos especiales bastante notables para el momento de su
realización. No pretende causarnos ningún tipo de shock terrorífico. Sus
argumentos son otros, por lo que podemos prescindir del electro previo a
este tipo de cine. Caso de chequearse algo, mejor nos revisamos la
vista. <br />
<br />
La caracterización de Karloff como la momia de Imhotep y el resurrecto
Ardath Bey es de las que marcan época y es de ley reconocer el buen
trabajo y citar al maquillador Jack Pierce una auténtica figura en su
profesión. Las sesiones de caracterización duraban ¡hasta 8 horas! y se
utilizaban productos "artesanales", por ejemplo algodón y otros bastante
primitivos y con riesgos de toxicidad. <br />
<br />
No quiero olvidarme del director Karl Freund, otro europeo emigrado a
Hollywood y que había trabajado como fotógrafo de Tod Browning (La
parada de los monstruos) en una versión de Drácula (1931)<br />
<br />
Respecto a lo de miedo si o no, tal vez la cosa habría cambiado si en
lugar de verla en el salón de nuestro hogar la hubiésemos visto en la
última sesión de un cine de barrio semivacío. Tal vez al volver a casa
los momificados ojos de Karloff abriéndose después de 3700 años nos
hubiesen perseguido por las aceras desiertas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o4_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="517" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m5e2neGEPi1qzwbl1o4_250.gif" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>The Mummy</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1932 </td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Karl+Freund">Karl Freund</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>John L. Barlderston</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Peter Tchaikovsky</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>Charles Stumar (B&W)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Boris+Karloff">Boris Karloff</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Zita+Johann"> Zita Johann</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=David+Manners"> David Manners</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Edward+Van+Sloan"> Edward Van Sloan</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Arthur+Byron"> Arthur Byron</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Noble+Johnson"> Noble Johnson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Leonard+Mudie"> Leonard Mudie</a></td>
</tr>
<tr>
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Universal Pictures</td>
</tr>
<tr>
<th><br /></th>
<td><br /></td>
</tr>
<tr>
<th>SINOPSIS</th>
<td>Un grupo de arqueólogos británicos invaden la tumba de un
cadáver momificado que resulta ser un sumo sacerdote del antiguo Egipto.
La momia, que revivirá accidentalmente 3.700 años después de su muerte,
intentará raptar a una joven de ascendencia egipcia que se parece a la
princesa que amó en vida y que fue el motivo de su ejecución. </td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-67893622176785379662012-07-21T11:55:00.001+02:002012-07-21T11:56:13.202+02:00El viento<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7dtjsabIe1qh6mhbo7_r1_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="483" src="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7dtjsabIe1qh6mhbo7_r1_250.gif" width="640" /></a></div>
<div style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
En un clásico tan magistral
como éste es difícil diferenciar cuál es el aspecto o aspectos que
verdaderamente destaquen por su acercamiento al concepto de perfección
cinematográfica así como a su increíble originalidad e innovador aporte
al séptimo arte.</div>
<div style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
Igualmente me permitiré destacar dos valores clave: el uso del espacio y la dirección de actores.</div>
<div style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
Por ello, los fuertes vientos que sufren los personajes influyen sobre
ellos de manera inevitable en función de su experiencia o falta de
experiencia ante dichas condiciones.</div>
<div id="text20426324" style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
Así comprobamos cómo el personaje que refleja una mayor inquietud es el
interpretado por Lillian Gish, Letty, con papel protagonista. Pero el
viento no sólo es el fruto de su inquietud, es además la proyección de
su estado psicológico respecto a sus circunstancias personales, a su
conflicto interno e interpersonal. Magistralmente, el viento ejerce como
elemento espacial antagonista para la protagonista; pero que, a su vez,
se verá enriquecido a nivel literario por un arco de transformación que
acompañará a Letty en el desarrollo de su adaptación al medio y
superación de sus conflictos.</div>
<div id="text20426324" style="color: white; padding: 4px; text-align: justify;">
Para
ilustrar este último apunte haré referencia al momento en que consigue
deshacerse de su antagonista humano, el hombre que trata de violarla y
echarla del pueblo; a quien consigue enterrar bajo la arena empleando
una fuerza sobrehumana que le permite conseguir en un fugaz primer
momento lo que a todas luces parecía imposible, vencer al viento,
excavar un agujero en la arena y volver a taparlo. Pero, como he dicho,
sólo fugazmente, ya que la fuerza del viento vuelve a desenterrar al
cadáver dejándolo al descubierto. Es entonces cuando su amado se
presenta y la ayuda a superar sus miedos, haciendo que el viento deje de
ser un elemento antagonista y se convierta en un elemento romántico y
pasional que los envuelve de una forma extremadamente bella en una sutil
metáfora sexual.</div>
<div class="separator" style="clear: both; color: white; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m7dtjsabIe1qh6mhbo6_r1_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m7dtjsabIe1qh6mhbo6_r1_250.gif" width="640" /></a></div>
<div id="text20426324" style="padding: 4px; text-align: justify;">
<div style="color: white;">
<br /></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline"><tbody>
<tr style="color: white;"><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><b>The Wind</b></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>AÑO</th>
<td>1928 </td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th align="right" valign="baseline"><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Victor+Sj%F6str%F6m">Victor Sjöström</a></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>GUIÓN</th>
<td>Frances Marion (Novela: Dorothy Scarborough)</td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>MÚSICA</th>
<td>Película muda</td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>John Arnold (B&W)</td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Lillian+Gish">Lillian Gish</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Lars+Hanson"> Lars Hanson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Montagu+Love"> Montagu Love</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Dorothy+Cumming"> Dorothy Cumming</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Edward+Earle"> Edward Earle</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=William+Orlamond"> William Orlamond</a></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)</td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr style="color: white;">
<th>SINOPSIS</th>
<td>Letty, una inocente joven de Virginia, se traslada del Este a
las praderas de Texas, donde parece que el viento nunca deja de soplar y
donde la arena llega a todas partes. Allí vivirá con unos parientes,
pero no se sentirá querida y se verá abocada a un matrimonio que no
desea. </td>
</tr>
<tr>
<th style="color: white;">CRÍTICAS</th>
<td><div style="color: white;">
----------------------------------------</div>
<span style="color: white;">El director sueco Victor Sjöström, luego
mítico protagonista de "Smultronstället" (Fresas salvajes, 1957),
emigrado por entonces a los Estados Unidos, dirigió, bajo duras
condiciones en el desierto del Mojave, este duro y magistral melodrama,
obra clave indiscutible del cine mudo. El crítico del Timeout dijo de
ella: "Una de las grandes obras maestras del cine (...) la mejor
interpretación de una encantadora Lillian Gish (...) la dirección
muestra una impecable atención a los detalles psicológicos, mientras
realiza una transición perfectamente creíble de géneros. La secuencia de
la tormenta de arena del desierto tiene que ser vista para poder
creerla, y todo el film -erótico, bello, deslumbrante- demuestra tal
imaginación y seguridad que permanece, décadas después de ser realizado,
completamente moderno</span>.</td></tr>
</tbody></table>
</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-39614377043265504652012-07-18T20:04:00.000+02:002012-07-18T20:04:06.689+02:00James Francis Cagney<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m7a3tknQ5D1qehzu2o2_250.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_m7a3tknQ5D1qehzu2o2_250.gif" width="570" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>James Francis Cagney, Jr.</b> (<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/17_de_julio" title="17 de julio">17 de julio</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1899" title="1899">1899</a> - <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/30_de_marzo" title="30 de marzo">30 de marzo</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1986" title="1986">1986</a>) fue un <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Actor" title="Actor">actor</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Cine" title="Cine">cine</a> <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Estadounidense" title="Estadounidense">estadounidense</a>. Ganador de premios importantes y actor en distintos papeles, es recordado por sus papeles de <i>tipo duro</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Destacó en la <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9cada_de_1930" title="Década de 1930">década de 1930</a> en la empresa cinematográfica <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Warner_Bros" title="Warner Bros">Warner Bros</a> y mantuvo su relevancia durante las décadas de 1940 y 1950.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Fue ganador del <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Premio_%C3%93scar" title="Premio Óscar">premio Óscar</a> 1943 al Mejor actor principal, en el filme <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Yanqui_Dandy" title="Yanqui Dandy">Yanqui Dandy</a></i> (1942).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Su primera película importante fue <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/El_enemigo_p%C3%BAblico" title="El enemigo público">El enemigo público</a></i>, de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/William_A._Wellman" title="William A. Wellman">William A. Wellman</a>. Volvió a realizar el papel de gángster en dos películas dirigidas por <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Raoul_Walsh" title="Raoul Walsh">Raoul Walsh</a>: <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Los_violentos_a%C3%B1os_veinte" title="Los violentos años veinte">Los violentos años veinte</a></i> y, sobre todo, <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Al_rojo_vivo_%28pel%C3%ADcula%29" title="Al rojo vivo (película)">Al rojo vivo</a></i>, donde dirá su frase más famosa, "En la cima del mundo, mamá". </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero Cagney fue un actor muy versátil que intervino en toda clase de películas, desde comedias hasta dramas, pasando por <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Western" title="Western">westerns</a> e incluso adaptaciones de obras de Shakespeare. Destacan en su filmografía <i>Desfile de candilejas</i>, <i>El guapo</i>, <i>Ha entrado un fotógrafo</i> y <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81ngeles_con_caras_sucias" title="Ángeles con caras sucias">Ángeles con caras sucias</a></i>, en los años treinta.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En los cuarenta continuó siendo uno de los actores favoritos del
público y continuó participando en grandes películas. Una de boxeo,
titulada <i>Ciudad de conquista</i>, y la biografía idealizada de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Yanqui_Dandy" title="Yanqui Dandy">Yanqui Dandy</a>, interpretación con la que ganó el <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Premio_%C3%93scar" title="Premio Óscar">Óscar</a>
al mejor actor. Este éxito le hizo romper con la Warner y fundar su
propia productora, con la que no obtuvo ningún éxito, por lo que tuvo
que volver a la productora de los hermanos Warner.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En los cincuenta volvió a trabajar en algunas grandes películas como el <i>León de las calles</i>, <i>Ámame o déjame</i>, <i>Escala en Hawái</i> o <i>El hombre de las mil caras</i>. Finalmente, acabó su carrera temporalmente en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1961" title="1961">1961</a>, cuando protagonizara la comedia <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Uno,_dos,_tres" title="Uno, dos, tres">Uno, dos, tres</a>, dirigida por <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Billy_Wilder" title="Billy Wilder">Billy Wilder</a>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1981" title="1981">1981</a> volvió a actuar en <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Ragtime_%28pel%C3%ADcula%29" title="Ragtime (película)">Ragtime</a></i>,
donde de nuevo demostró su gran talento interpretativo. Fue su última
película. Le sobrevivió su esposa Frances Vernon, con la que se había
casado en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1922" title="1922">1922</a>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-31803244729592278322012-07-17T18:24:00.004+02:002012-07-17T18:24:37.224+02:00The End<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://onexteamwork1.files.wordpress.com/2011/08/end.gif?w=500&h=375&h=314" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="http://onexteamwork1.files.wordpress.com/2011/08/end.gif?w=500&h=375&h=314" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://onexteamwork1.files.wordpress.com/2011/08/end.gif?w=500&h=375&h=314" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
¿Qué es una película clásica sin su "The End"?</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aquí traemos un <a href="http://www.flickr.com/groups/400716@N22/" title="The end, grupo de flickr">grupo de flickr</a> cuyo objetivo es recopilar la trillada placa final de los <em>The End</em> de las peliculas de todos los tiempos, con una clara predilección por los clásicos. Es que el <em>The End</em> en blanco y negro tenía su fuerza, si señor…</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y al mismo tiempo, por que no, un elegante paseo (en el mejor de los
casos) sobre pequeñas innovaciones tipográficas acerca de como indicar
el final de una película.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://onexteamwork1.files.wordpress.com/2011/08/end.gif?w=500&h=375&h=314" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://onexteamwork1.files.wordpress.com/2011/08/end.gif?w=500&h=375&h=314" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-87951824064952604622012-07-14T12:25:00.000+02:002012-07-14T12:25:24.688+02:00La caja de Pandora (Lulú)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Zv1Byr_i00k/T9qagT9lO9I/AAAAAAAAGCI/9yVAKN6ndUI/s1600/ouise+brooks%E2%80%9Cpandora%E2%80%99s+box%E2%80%9D+%281929%29.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-Zv1Byr_i00k/T9qagT9lO9I/AAAAAAAAGCI/9yVAKN6ndUI/s1600/ouise+brooks%E2%80%9Cpandora%E2%80%99s+box%E2%80%9D+%281929%29.gif" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Pabst no es ni Lang ni Murnau. Pero es un director interesante que
maneja con destreza los hilos del expresionismo. Los gestos, las
miradas, la fuerza de la mano que oprime el brazo, la caricia femenina,
los dedos que se abren y la navaja que se desprende...<br />
<br />
Como buena película muda, hacen falta muy pocos rótulos literarios. Los
justos y precisos para seguir una acción cuyo eje central se sitúa en la
figura de Lulú y sus costumbres ligeras, su altamente perniciosa
seducción y sus ojos sumisos capaz de llevar a los hombres (y las
mujeres) al suicidio. Esos son sus poderes. Esa es la fuerza capaz de
destapar la caja de Pandora y derramar a su alrededor un destino
amargamente fatal. Porque esta es la lectura íntima del film, el mal y
la fatalidad como compañeros de viaje.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-gqeFUQrRHE8/T9qao8RGu3I/AAAAAAAAGCY/3GnTHj98xaY/s1600/tumblr_lq5atvKMNN1qiz3j8o1_500.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-gqeFUQrRHE8/T9qao8RGu3I/AAAAAAAAGCY/3GnTHj98xaY/s1600/tumblr_lq5atvKMNN1qiz3j8o1_500.gif" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El acto tercero con su ajetreo entre las bambalinas del espectáculo de
varietés, es un portento de filmación cinematográfica. Es uno de los
puntos culminantes en una película rompedora y atrevida (evidentemente
para la época) que supuso el encumbramiento de Louise Brooks como actriz
reconocida y que dejó en cierto modo en la recamara a una Marlene
Dietrich en quien se pensó para el papel y que en mi opinión, hubiese
dado perfectamente la talla. Pero la Brooks lo hace bien y se lo
reconozco. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-AS-HeaPz8Ag/T9qaM_fL99I/AAAAAAAAGBw/R9-u-rs4Dtw/s1600/Louise,+%E2%80%9CPandora%E2%80%99s+Box%E2%80%9D21321.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-AS-HeaPz8Ag/T9qaM_fL99I/AAAAAAAAGBw/R9-u-rs4Dtw/s1600/Louise,+%E2%80%9CPandora%E2%80%99s+Box%E2%80%9D21321.gif" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Estamos delante de una gran película, y este es un hecho que se reconoce
cuándo se encuentra. ¿Cuáles son sus cualidades? . Pues es bien
sencillo de describir, pero nada fácil de llevar a la práctica; un buen
guión, una trama trepidante y consistente, un montaje preciso, y un
elenco de actores que estén a la altura, en especial Louise Brooks, que
realiza una meritoria interpretación. Si el film es mudo o no, eso es lo
de menos. De ahí otro de sus grandes méritos, porque no hay que olvidar
que esta fechada en 1928, y a pesar de ello posee una factura
totalmente actual.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-12bqCJirf6s/T9qZfcyJ7xI/AAAAAAAAGAw/BvhBo-3hnY8/s1600/%23+Francis+Lederer+%23+Alwa+Caixa+de+Pandora+%23.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-12bqCJirf6s/T9qZfcyJ7xI/AAAAAAAAGAw/BvhBo-3hnY8/s1600/%23+Francis+Lederer+%23+Alwa+Caixa+de+Pandora+%23.gif" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Los rostros, los planos, la escenografía y la luz, expresan en esta
película el drama puro del cine. El tema mismo es intrascendente. El
hecho de que no podamos escuchar la voz de los personajes, confiere a la
cinta un grado de extrañeza que se transfiere, por ocultas vías, al
goce estético. Es lo que hace del cine mudo un gran instrumento
expresivo, no siempre aprovechado, por lo demás.<br />
<br />
Dice Baudrillard:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
“<i>Nos acercamos cada vez más a eso que llaman la «alta definición» de la
imagen, es decir, a la perfección inútil de la imagen. A fuerza de ser
real, a fuerza de producirse en tiempo real, mientras más lograda la
definición absoluta, la perfección realista de la imagen, más se pierde
el poder de la ilusión. </i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-OQ1HLC-noO8/T9qaAhzJkmI/AAAAAAAAGBg/Ow5RBK93umc/s1600/%23pandoras+box+hg.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="217" src="http://4.bp.blogspot.com/-OQ1HLC-noO8/T9qaAhzJkmI/AAAAAAAAGBg/Ow5RBK93umc/s320/%23pandoras+box+hg.gif" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Basta pensar en un teatro como la ópera de Pekín, antes. Cómo en una
escena de barcas en un río, con el solo movimiento de los cuerpos se
adivina el río, se adivina el movimiento del río; o cómo en una escena
de un duelo, los dos cuerpos, sin siquiera tocarse, simplemente
rozándose, dan la idea, la visión escénica de la oscuridad en la que se
desenvuelve el duelo. En estos casos la ilusión es total e intensa, y es
más que estética: es una especie de éxtasis físico, justamente porque
se ha obviado la presencia realista del río o de la noche, y sólo los
cuerpos se encargan de la ilusión natural. Hoy, esto se representaría
con toneladas de agua en el escenario, o bien se filmaría el duelo en
infrarrojo, etcétera</i>”<br />
<span style="font-size: x-small;">(Baudrillard, La ilusión y la desilusión estéticas)</span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-B8Ipilzc9f8/T9qZ8KYs4fI/AAAAAAAAGBY/fXm1wu8PS3M/s1600/%23Pandora%27s+Boxvmmc.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="242" src="http://3.bp.blogspot.com/-B8Ipilzc9f8/T9qZ8KYs4fI/AAAAAAAAGBY/fXm1wu8PS3M/s320/%23Pandora%27s+Boxvmmc.gif" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando el rostro del actor principal mismo irradia luz (como en el caso
de Louise Brooks), la mudez de la película pasa a convertirse en una
apreciable ventaja. La densidad de la expresión artística, se logra,
como bien dice Baudrillard, por omisión y no por adición. Un caso ideal
sería La Jetée, de Chris Marker, hecha únicamente en base a cuadros
fijos. Nunca se ha dicho tanto con tan poco en la historia del cine. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando convivíamos con los dioses hubo una primera mujer en la tierra,
nació a petición de Zeus, movido por la necesidad y dependencia de algo
tan horrible como la venganza. Fue creada a partir de barro y todos los
dioses le concedieron dones para destacar sobre el resto, era bella,
sabia e ingeniosa, pero no perfecta. La curiosidad era su principal
destello, Zeus lo sabía, así lo quiso por expreso deseo. Esta nueva
compañera de la humanidad era un castigo para Prometeo, pero fue otro,
su hermano Epimeteo quien aceptó este envenenado regalo. Junto con
Pandora, nombre que le dieron por su significado "todos los dones" venía
una caja y una advertencia, nunca, por ningún motivo debía abrir esa
caja, era todo lo que necesitaba conocer.<br />
<br />
Pero vengativos dioses, hay reglas que resultan imposibles de cumplir
cuando la caja palpita junto a su pecho y esconde secretos
irreconocibles.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-16OLI7yaIcU/T9qaVCAXKYI/AAAAAAAAGB4/RSjyowWLVxo/s400/Pandora%E2%80%99s+Box+%281929%29+by+G.+W.+Pabst1313564.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="391" src="http://2.bp.blogspot.com/-16OLI7yaIcU/T9qaVCAXKYI/AAAAAAAAGB4/RSjyowWLVxo/s400/Pandora%E2%80%99s+Box+%281929%29+by+G.+W.+Pabst1313564.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Pandora abrió la caja, y con ella condenó a la humanidad a vivir. A
vivir como conocemos la existencia. Cerró la caja justo cuando la
esperanza estaba también por escapar. A Pandora se recurre cuando la
esperanza es nuestro último recurso. En Pandora nos escudamos para
comprender la culpa. En ella pienso cuando otra caja quiero abrir.<br />
<br />
Lulú es una particular Pandora. Caprichosa, coqueta, irracional, de
gran belleza, sonrisa seductora. Siempre se sale con la suya, domina a
los hombres según su necesidad, disfruta del amor propio y del ajeno, su
mirada desprende lujuria y sus intenciones nunca van más allá de
disfrutar el ahora, un torbellino de pasiones desatadas, de dones
entremezclados. Tan cálida como fría. Una mujer creada en este mundo
para ser la tentación de todo hombre que se acerque a su hipnótico
aspecto. Es la mujer que los hombres desean poseer y temen conseguir.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-e71WdQ9TnZQ/T9qZwfDli2I/AAAAAAAAGBI/dK5tu_wD-Ak/s400/%23Pandora%27s+Box1312.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="261" src="http://4.bp.blogspot.com/-e71WdQ9TnZQ/T9qZwfDli2I/AAAAAAAAGBI/dK5tu_wD-Ak/s320/%23Pandora%27s+Box1312.gif" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Lulú nos transmite durante diez actos una vida llena de altibajos, donde
su protagonismo destaca con sus vaporosos vestidos y su desenfrenada
visión de la diversión, pues a cada momento termina partiendo el corazón
de los hombres que se atreven a amarla y ella siempre sale victoriosa
de cualquier percance que pueda suceder en su vida.<br />
<br />
Vital, llamativa y provocadora, una película que se adelanta a los
acontecimientos, una mujer que rebasa estos calificativos. Creada por
dioses, para no olvidar.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
SIPNOSIS: Lulú (Louise Brooks) es mujer ambiciosa y sin moral que usa a los
hombres a su voluntad. Desinhibida y atractiva, el aprovechamiento de
sus encantos conllevará también sus peligros. Obra mayor del
expresionismo que encumbró a Louise Brooks, una joya del cine mudo que
adaptó magistralmente la obra teatral "Lulu" de Wedeking.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-2_nSrfVhf1s/T9qatfuiUTI/AAAAAAAAGCg/qlugXg0IkxQ/s1600/tumblr_lsmlrmxxVq1qiz6ouo1_500.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-2_nSrfVhf1s/T9qatfuiUTI/AAAAAAAAGCg/qlugXg0IkxQ/s1600/tumblr_lsmlrmxxVq1qiz6ouo1_500.gif" /></a></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>Die Büchse der Pandora</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1928 </td>
</tr>
<tr>
<th><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Georg+Wilhelm+Pabst++%28AKA+G.W.+Pabst%29">Georg Wilhelm Pabst (AKA G.W. Pabst)</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>Ladislao Vajda (Teatro: Frank Wedeking)</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Peer Raben</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>Günther Krampf (B&W)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Louise+Brooks">Louise Brooks</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Fritz+Kortner"> Fritz Kortner</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Francis+Lederer"> Francis Lederer</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Carl+Goetz"> Carl Goetz</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Krafft-Raschig"> Krafft-Raschig</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Alice+Roberts"> Alice Roberts</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Gustav+Diessl"> Gustav Diessl</a></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-89274024336278143252012-07-08T22:35:00.003+02:002012-07-08T22:35:54.180+02:00El séptimo sello<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://i1113.photobucket.com/albums/k516/walrusinclair/pelis/THESEVENTHSEALINGMARBERGMANGUNNARBJRNSTRAND1957.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="484" src="http://i1113.photobucket.com/albums/k516/walrusinclair/pelis/THESEVENTHSEALINGMARBERGMANGUNNARBJRNSTRAND1957.gif" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
La temática de esta película no puede ser más trascendente: la muerte,
el miedo a esta, y la vida después de ella. A Bergman no le tiembla su
pulso maestro a la hora de enfrentar a sus personajes cara a cara con la
muerte, pero no de una manera superficial, como estamos acostumbrados
en el cine. Aquí no hay personajes que mueren tras unos simples lloros
más o menos dramáticos, aquí se trata la muerte como realidad inevitable
y se cuestionan sus consecuencias posteriores: ¿el cielo? ¿el infierno?
¿la nada?. <br />
<br />
Para colmo de genialidad, la película no está ambientada en una época de
modernidad en la que estas cuestiones se planteen desde un punto de
vista filosófico y sirvan de charla para intelectuales (como sucedía en
otra obra maestra de Bergman, "Fresas Salvajes") sino que está ubicada
en una Edad Media asolada por la peste negra, regida por la sinrazón y
sumida en el caos.<br />
<br />
A modo de hermoso envoltorio de su impresionante contenido, "El séptimo
sello" está plagada de imágenes de arrolladora fuerza visual y
significado, que componen una atmósfera absorbente, contrastando
momentos espeluznantes con otros de gran serenidad y belleza. <br />
<br />
Imposible sacarle defectos a esta auténtica joya, que cuenta con unos
personajes maravillosamente bien trazados, tan humanos que los
angustiosos latidos de sus corazones casi nos sacuden a nosotros
también. Estos personajes son además reflejo de las diferentes maneras
de afrontar la muerte: El miedo, que empuja a Antonius (inconmensurable
Max Von Sydow) a encomendarse a un Dios que su razón le dicta que no
existe, o la frialdad de un Jons (no menos genial Gunnar Bjornstrand)
consciente de que le espera el vacío. En representación de una vida sin
miedo a la muerte: María y José, dos maravillosos personajes surgidos de
la esperanza que no necesitan decidir su destino en una partida de
ajedrez.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table border="0" cellpadding="2" cellspacing="2" id="mcardtable" valign="baseline"><tbody>
<tr><th>TÍTULO ORIGINAL</th>
<td><strong>Det sjunde inseglet (The Seventh Seal)</strong></td>
</tr>
<tr>
<th>AÑO</th>
<td>
1957 </td>
</tr>
<tr>
<th><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr>
<th align="right" valign="baseline"><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr>
<th>DIRECTOR</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Ingmar+Bergman">Ingmar Bergman</a></td>
</tr>
<tr>
<th>GUIÓN</th>
<td>Ingmar Bergman</td>
</tr>
<tr>
<th>MÚSICA</th>
<td>Erik Nordgren</td>
</tr>
<tr>
<th>FOTOGRAFÍA</th>
<td>Gunnar Fischer (B&W)</td>
</tr>
<tr>
<th>REPARTO</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Max+von+Sydow">Max von Sydow</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Gunnar+Bj%F6rnstrand"> Gunnar Björnstrand</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Nils+Poppe"> Nils Poppe</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Bibi+Andersson"> Bibi Andersson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Bengt+Ekerot"> Bengt Ekerot</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Gunnel+Lindblom"> Gunnel Lindblom</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Maud+Hansson"> Maud Hansson</a>, <a href="http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&stext=Ake+Fridell"> Ake Fridell</a></td>
</tr>
<tr>
<th>PRODUCTORA</th>
<td>Svensk Filmindustri</td>
</tr>
<tr>
<th>PREMIOS</th>
<td><a href="http://www.filmaffinity.com/es/awards.php?award_id=cannes&year=1957">1957</a>: Cannes: Premio Especial del Jurado (Ex aequo con "Kanal")<br />
<a href="http://www.filmaffinity.com/es/awards.php?award_id=seminci&year=1960">1960</a>: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película</td>
</tr>
<tr>
<th><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></th>
<td><span style="font-size: xx-small;"><br /></span></td>
</tr>
<tr>
<th>SINOPSIS</th>
<td>Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra asola Europa.
Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco
Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un
hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la
Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de
ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes
cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios. </td>
</tr>
<tr>
<th>CRÍTICAS</th>
<td>
----------------------------------------<br /> Obra maestra absoluta del cine. Una de las
películas favoritas de Woody Allen, que declaró sobre ella: "Desde el
momento en que comienza te deja sin aliento hasta que termina."----------------------------------------<br />
"Una de las grandes obras de Ingmar Bergman, que reúne en
sus hermosas imágenes las obsesiones del maestro sueco (...)
Impresionante labor de Max von Sydow y una inmensa fuerza visual para
una obra maestra"</td><td><br /></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6915458131812620288.post-71256585881300467502012-07-07T20:24:00.000+02:002012-07-07T20:24:00.130+02:00Shirley Jane Temple<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lxo9atn4cz1qbrdf3o5_250.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="286" src="http://24.media.tumblr.com/tumblr_lxo9atn4cz1qbrdf3o5_250.gif" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><b>Shirley Jane Temple</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-size: small;">(<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/23_de_abril" title="23 de abril">23 de abril</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1928" title="1928">1928</a>) es una ex <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Diplomacia" title="Diplomacia">diplomática</a> <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Estadounidense" title="Estadounidense">estadounidense</a> y antigua <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Actriz" title="Actriz">actriz</a> infantil. Protagonizó más de 40 películas de cine durante los <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1930" title="Años 1930">años 1930</a>.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<h3 style="text-align: justify;">
<span class="mw-headline" id="Carrera">Carrera</span></h3>
<div style="text-align: justify;">
Nadie sabe cuando Shirley Temple comenzó a hacer películas ya que los
Estudios FOX hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales
de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1931" title="1931">1931</a> y <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1933" title="1933">1933</a> apareció en dos series de cortos para <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Educational_Pictures" title="Educational Pictures">Educational Pictures</a>. Su primera serie, <i>Baby Burlesks</i>,
satirizaron las películas y política recientes. La series fueron
consideradas polémicas por algunos telespectadores por su representación
de niños pequeños en situaciones adultas. Su segunda serie en
Educational, <i>Frolics of Youth</i>, fue un poco más aceptable e hizo el papel de una irritante hermana menor en una familia <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Suburbio" title="Suburbio">suburbana</a> contemporánea.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también
interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas.
Finalmente firmó con <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Fox_Film_Corporation" title="Fox Film Corporation">Fox Film Corporation</a> (que más tarde se fusionó con <a class="new" href="http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=20th_Century_Pictures&action=edit&redlink=1" title="20th Century Pictures (aún no redactado)">20th Century Pictures</a> para convertirse en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/20th_Century_Fox" title="20th Century Fox">20th Century Fox</a>) a finales de 1933 después de aparecer en <i>Stand Up and Cheer!</i> con <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/James_Dunn" title="James Dunn">James Dunn</a>. Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Temple estaría con Fox hasta <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1940" title="1940">1940</a>, convirtiéndose en la actriz más lucrativa para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1935" title="1935">1935</a>, y fue prestada a Paramount para un par de películas exitosas en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1934" title="1934">1934</a>.
Durante cuatro años sólidos, figuró como la estrella más taquillera de
Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de
nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo
cumpleaños se dio cuenta de que tenía de hecho trece.<br />
<br />
<sup class="reference" id="cite_ref-0"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Shirley_Temple#cite_note-0"></a></sup></div>
<div style="text-align: justify;">
Su popularidad ganó tanto su adulación pública como la aprobación de
sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su
profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de
baile preparados cuando el rodaje comenzaba. Fue la primera receptora
del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Premios_%C3%93scar" title="Premios Óscar">Premio Oscar</a>
especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple
es aún la intérprete más joven de toda la historia del cine en recibir
este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies
y manos en el exterior del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Grauman%27s_Chinese_Theatre" title="Grauman's Chinese Theatre">Grauman's Chinese Theatre</a>.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Temple también hizo películas con <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Carole_Lombard" title="Carole Lombard">Carole Lombard</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Gary_Cooper" title="Gary Cooper">Gary Cooper</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Adolphe_Menjou" title="Adolphe Menjou">Adolphe Menjou</a> y muchos otros. <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Treacher" title="Arthur Treacher">Arthur Treacher</a> apareció como un bondadoso <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Mayordomo_%28criado%29" title="Mayordomo (criado)">mayordomo</a> en varias películas de Temple.<br />
</div>
<div class="thumb tright" style="text-align: justify;">
<div class="thumbinner" style="width: 222px;">
<a class="image" href="http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Eleanor_Roosevelt_and_Shirley_Temple.png?uselang=es"><img alt="" class="thumbimage" height="485" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/07/Eleanor_Roosevelt_and_Shirley_Temple.png/220px-Eleanor_Roosevelt_and_Shirley_Temple.png" width="640" /></a>
<br />
<div class="thumbcaption">
<div class="magnify">
<a class="internal" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Eleanor_Roosevelt_and_Shirley_Temple.png" title="Aumentar"><img alt="" height="11" src="http://bits.wikimedia.org/static-1.20wmf4/skins/common/images/magnify-clip.png" width="15" /></a></div>
<span style="font-size: xx-small;">Eleanor Roosevelt (izquierda) y Shirley Temple (derecha) en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1938" title="1938">1938</a>.</span></div>
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
La capacidad de Temple como bailarina (especialmente como bailarina de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Claqu%C3%A9" title="Claqué">claqué</a>)
es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó y
era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con cinco años. Fue
emparejada con el famoso bailarín <a class="new" href="http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Bill_Robinson&action=edit&redlink=1" title="Bill Robinson (aún no redactado)">Bill "Bojangles" Robinson</a> en <i>The Little Colonel</i>, <i>The Littlest Rebel</i>, <i>Rebecca of Sunnybrook Farm</i> y <i>Just Around the Corner</i>. Robinson también preparó y desarrolló su coreografía para muchas de sus otras películas. Como Robinson era <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Afroamericano" title="Afroamericano">afroamericano</a>, sus escenas cogiendo las manos de Temple tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de
Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple,
vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Otros
artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y
lazos de pelo. Varias canciones de las películas de Temple, incluyendo
"On the Good Ship Lollipop" (de <i>Bright Eyes</i> de 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de <i>Curly Top</i> de 1935) y "Goodnight My Love" (de <i>Stowaway</i>
1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen
y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Cruz_Roja" title="Cruz Roja">Cruz Roja</a>.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
El papel de Dorothy en <i><a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/El_Mago_de_Oz_%28pel%C3%ADcula%29" title="El Mago de Oz (película)">El Mago de Oz</a></i> fue originalmente pensado para <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Judy_Garland" title="Judy Garland">Judy Garland</a>.
Sin embargo, los ejecutivos de MGM estaban preocupados con el interés
taquillero de Garland. Temple fue considerada para el papel, no
obstante, no pudo aparecer en la película cuando un acuerdo entre Fox y <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/MGM" title="MGM">MGM</a> fracasó. También se rumoreó ser la inspiración para Bonnie Blue Butler en <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Lo_que_el_viento_se_llev%C3%B3_%28pel%C3%ADcula%29" title="Lo que el viento se llevó (película)">Lo que el viento se llevó</a></i>
y fue una de las primeras competidoras para el papel en la película,
pero era demasiado mayor cuando comenzó a producirse la película.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
En 1940, Temple dejó la Fox. Combinó las clases en Westlake School
for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y
Paramount. Sus películas más exitosas de ese momento fueron <i>Since You Went Away</i> con <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Claudette_Colbert" title="Claudette Colbert">Claudette Colbert</a>, <i>The Bachelor and the Bobby-Soxer</i> con <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Cary_Grant" title="Cary Grant">Cary Grant</a> y <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Fort_Apache" title="Fort Apache">Fort Apache</a></i>. Se retiró del cine en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1949" title="1949">1949</a>.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
En los <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1950" title="Años 1950">años 1950</a> y <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1960" title="Años 1960">1960</a>, hizo un breve retorno al negocio del espectáculo con dos series de televisión. <i>Shirley Temple's Storybook</i> se estrenó en la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/National_Broadcasting_Company" title="National Broadcasting Company">NBC</a> el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 1 de diciembre de 1959. <i>Shirley Temple Theatre</i> -también conocido como <i>The Shirley Temple Show</i>-
se estrenó en la NBC el 11 de septiembre de 1960 y su última emisión
fue el 10 de septiembre de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones
de cuentos de hadas y otros cuentos orientados a la familia. Shirley
Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas
series.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0